La Vida es Sueño

Durante tres noches consecutivas, un grupo de españoles intenta nuevamente conquistar Buenos Aires. Al menos, a aquellos presentes en la Sala Martín Coronado del teatro San Martín. La Compañía Nacional de Teatro Clásico de España, dirigida por Helena Pimenta, presenta La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca, en versión de Juan Mayorga y con dirección de Helena Pimenta. 

La obra es impecable en todos los aspectos. Una versión moderna del clásico español pero no de esas que causan que sus autores probablemente se revuelquen en la tumba. Si Calderón de la Barca viviera, probablemente quedaría muy conforme con esta versión de su texto.

Todos los actores y actrices tienen usan el texto y manejan los versos de una manera envidiable. Estoy segura de que pueden decir sus parlamentos de adelante para atrás y de atrás para adelante sin detenerse a pensarlo mucho. Por suerte, no todo descansa en la poesía del texto. El elenco entero pone el cuerpo y se entrega por completo para dar vida a los personajes que acompañan a Segismundo en ese viaje en el que en algún momento perderá la capacidad de diferenciar qué es realidad y qué es sueño.  

Rompiendo las convenciones, el papel de Segismundo es perfectamente interpretado por Blanca Portillo. Es la primera vez en la historia que una mujer interpreta al protagonista de este clásico del barroco español. En una entrevista que le hizo el diario El País, Helena Pimenta explicó su decisión: “En el teatro clásico, los papeles masculinos tienen una mayor dimensión en abundancia y profundidad. Para mí, Segismundo es un ser humano, representa el recorrido vital de un ser humano, su despertar a la conciencia y su capacidad, desde la concepción más animal, para reconstruir la dignidad. Me parecía que el hecho de que Segismundo lo interpretara una actriz, aunque ella vaya vestida de hombre, significaba que los hombres no son los únicos que tienen derecho a tener un recorrido vital, sino también las mujeres”, explica Helena Pimenta.

El trabajo de Portillo es de esos que logran impresionar al espectador. Difícil no conmoverse con la historia de Segismundo y sus palabras. Difícil no emocionarse con el monólogo que bautiza a la obra. 

A juzgar por la sala llena, toda de pie aplaudiendo durante unos cuantos minutos tras la caída  del telón, la Compañía, guiada por Portillo,  logra la conquista.  

Ficha Artística

La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca. Versión de Juan Mayorga con dirección de Helena Pimenta

Elenco: Blanca Portillo, Marta Poveda, Joaquín Notario, Fernando Sansegundo, Rafa Castejón, Pepa Pedroche, David Lorente, Pedro Almagro, Ángel Castilla, Óscar Zafra, Alberto Gómez Taboada y Anabel Maurín. 

Músicos/actores: Daniel Garay, Juan Carlos de Mulder, Anna Margules y Calia Álvarez. 

Ayudante de dirección: Javier Hernández-Simón

Asesor de verso: Vicente Fuentes

Coreografía: Nuria Castejón

Selección y adaptación musical: Ignacio García

Iluminación: Juan Gómez Cornejo

Vestuario: Alejandro Andújar y Carmen Mancebo

Escenografía: Alejandro Andújar y Esmeralda Díaz.

Jueves 25, viernes 26 y sábado 27 de abril a las 20

Sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530)

Platea: $120 Pullman: $90

Si apagás la luz… los hombres son todos iguales

El universo del judaísmo siempre me provocó cierta atracción y curiosidad particular. Me atrae la idea de creencia y tradición y entonces, ver una obra dirigida por Minetti que me cuente algo de ese universo, es una buena oportunidad para adentrarme en aguas desconocidas. 

Pero con lo que me encuentro es todo lo contrario. La obra, que gira en torno a una mujer que tiene la función de armar matrimonios en la colectividad, es un compendio de lugares comunes que no me permite indagar en la profundidad de aquello que desconozco. En el mientras tanto, Chacho Bigio, encarnando a Zalim, permanece en silencio o cantando a sotto voce algún salmo o simplemente dando respuestas previsibles y breves a su mujer, que no sirven más que para que siga con la catarata estereotipada de palabras femeninas. Es el único de este elenco que actúa con organicidad, aún cuando el texto no le permite hacer más despliegue que este.

De este modo discursivo, la obra nos va paseando por temas como el amor, la femineidad, el dinero, el deseo y la pérdida de la tradición judía en las generaciones actuales. Lo cierto es que jamás se llega a una transición profunda de ninguno de ellos, ya que se construye un mecanismo que gira en falso sobre estos conceptos. Lo “importante” se termina dibujando con pinceladas gruesas; tal vez con el afán de que el público “entienda”. Grave error, entonces, el de Liliana Abraham que con este gesto no hace más que subestimar a sus espectadores porque no hay nada que haya quedado sin decir entre las palabras; no hay espacio para especular, ni zonas sensibles que constituyan un misterio para aquellos que asisten a este espectáculo. 

Sólo despunta algo de lo verdadero y orgánico con la actuación de Bigio en los primeros minutos de obra; ahí, donde justamente no hay un texto que lo diga todo, que aplane un cuerpo que habla solo y que canta al ritmo de una religión. Pero, lamentablemente, esto se ve opacado por la descuidada escenografía, las palabras vacías y las restantes actuaciones, que están pegadas al texto sin poder aportarle cuerpo concreto.

Ficha Artística
Elenco: Liliana Abraham, Chacho Bigio,  Giselle Mestre, Stenafia Gurrieri, Yanina Florenzano.
Dirección: Mauricio Minetti.
Dramaturgia: Liliana Abraham.
Supervisión dramatúrgica: Arce Barchilón.

ESPACIO COLETTE (PASEO LA PLAZA)
Av. Corrientes 1660 CABA
Teléfonos: 6320-5346
Web: http://www.espaciocolette.com.ar
Con consumición: $ 60,00 - Sábado - 19:15 hs

Circense

Son las 20.15 h del viernes. Acaban de dar sala en el segundo piso del Teatro IFT;  “Circense” está por comenzar. Luz tenue, música clásica. Una mesa, una silla, un placard, una cama, un gran cuaderno y una figura circular. Los espectadores aguardamos a que comience la función. De repente, se apagan las luces y entran en escena los primeros personajes de esta obra. 

“¿A dónde me mandaron?”, es mi pregunta mental. La primer imagen de esta obra me impacta y me hace cortar, por milésimas de segundos, la respiración.  Y luego, me sumerjo en la historia, sin que me dé tiempo de volver a hacerme ningún cuestionamiento interno; aunque después de verla, inevitablemente, me haré mis propias interrogaciones acerca de mis sueños, miserias y resignaciones. 

Difícil describir la trama en su totalidad. Tampoco tengo la certeza de que, efectivamente,  el autor quiera contar una historia completa, con principio y final. Lo que es evidente es que se muestran fragmentos de la vida de una familia compuesta por un militar, su esposa y Circe, la joven hija de este matrimonio. No pasan más de cinco minutos cuando descubro que cada uno de estos personajes cargan con las heridas (físicas y emocionales) de alguna guerra, y de sus muertes. 

A su vez, se hace alusión constante a las instituciones de la familia, la religión, el matrimonio. En este contexto, y como una forma de escapar de su realidad, Circe deja aparecer desde su placard a distintos personajes fantásticos con los cuáles ríe, llora, se divierte, se enamora, se enoja. A través de sus sueños, o delirios, se replantea la vida que lleva, las imposiciones de su familia, sus propios deseos y  conformismos.  

En este oscuro circo, como lo nombran sus personajes, entre  los que se ven fantasmas, un payaso y un joven soldado, se utilizan algunos recursos teatrales que logran darle un quiebre a las escenas y sorprenderme. En un momento sonrío. Al instante, la situación me hace asustar. Ficción y realidad se entremezclan, se me hace casi imposible distinguir una de la otra, y este seguramente sea  el encanto que le encuentro a la sombría obra de arte.

Salgo del teatro, comienzo a caminar. También a preguntarme qué relación tiene el personaje  de Circe con el cuento de Cortázar que lleva su nombre. Asumo que el autor y director de la obra se inspiró en él. Me voy contenta y me repregunto: “¿A dónde me mandaron?”. Y ahora sí, respondo convencida: a disfrutar de una obra de teatro independiente, que con pocos recursos (materiales) logra una pieza de calidad. A ver actores en crecimiento. A sorprenderme. Y principalmente, a generarme un espacio para reflexionar. 

Ficha Artística
Autoría: Claudio Gatell
Dramaturgia: Claudio Gatell
Actúan:Micaela Barale, Sasi Crowe, Leandro Martin Lopez, Marcelo Roitman, Emilce Rotondo
Participación: Mariano Bassi
Vestuario:Mariana Cirulli
Escenografía: Mariana Cirulli
Fotografía: Mariana Cirulli
Puesta en escena: Claudio Gatell
Dirección: Claudio Gatell
Duración: 80 minutos

TEATRO IFT
Boulogne Sur Mer 549 C.A.B.A.
Teléfonos: 4962-9420 / 4961-9562
Web: http://www.teatroift.webs.com
Entrada: $ 50,00 - Viernes - 20:15 hs - Hasta el 31/05/2013 

Efímero

Efímero es una palabra, que a pesar de contener un concepto muy claro, no deja de tener cargas pesadas de connotación.

Y sorpresivamente, en esta obra, Efímero es un gato. Una mascota que abandona a su dueña y desencadena una serie inquietante de búsquedas. En el peregrinar de la protagonista hay muchos encuentros que despiertan nuevas indagaciones, que abren nuevos interrogantes.

Una obra experimental desde lo escénico, una puesta coreográfica y un texto coral, increíblemente bien ensamblado por una dirección maravillosa. Las doce actrices en escena, encarnan a la protagonista en algún momento del trascurso de los 80 minutos, provocando que uno pueda identificarse o resignificar cada encuentro como propio. Las actrices además cantan aportando con diferentes estilos de canciones un timming que mantiene la atención y la tensión del espectador.

El texto habla de pérdidas y búsquedas constantes. Y en el devenir de la obra Lunar, el personaje, se cuestiona cosas, se replantea otras, se pierde, hasta que finalmente encuentra una respuesta, que yo sentí sumamente turbadora.

Descubre que es libre. Y en el momento de ese EUREKA, se pregunta: “ahora qué hago con tanta libertad.”

Pero ese no es el final. No lo contaré pero es inesperado. Me sacó de clima, aunque es perfectamente explicable. Y definitivamente potencia, y provoca que te vayas con más preguntas.

La propuesta es altamente recomendable. Que no te tire para atrás lo de experimental, no necesitás saber de teatro, ni nada. Es un texto encarnado en doce actrices que han encontrado el equilibrio justo en escena, y que permite preguntarte sobre todas esas cosas de la vida, en las que a veces te encontrás muy solo, y sin respuesta.

Ficha Artística

Autoría: Mariana de Althaus

Actúan: Micaela Arditi, Mariana Arrupe, Agustina Barach, Camila Carreira, Yesiré Carrillo, Verónica Heguy, Sibila Herrera, Flor Lamas, Karen Mechoulam, Dulce Huilen Azul Ramirez, Lucia Snieg, Ornella Steffanazzi

Diseño de luces: Fernando Díaz

Diseño sonoro: Lucia Snieg, Ornella Steffanazzi

Realización de vestuario: Valeria Rojo

Fotografía:Hernán Soma

Asistencia general: Lidia Volpe

CELCIT

Moreno 431 C.A.B.A.

Teléfonos: 4342-1026

Web: http://www.celcit.org.ar

Entrada: $ 80,00 / $ 50,00 - Sábado - 23:00 hs 

Parte de Este Mundo

Es domingo a la noche y me junto con una familia de desconocidos a comer una rica picada en el Abasto Social Club.

Dos mesas largas, en forma de cruz y con mantel rayado, nos convocan a todos en este espacio que es butaca y escenario a la vez. “A mí me dijeron que comés y en un momento, te cuentan un cuento de Carver. El que más ‘da’ dependiendo de la situación”. Así hablaba con mis amigas, mientras me servía vino en una copa y con la otra mano, atajaba un cuadradito de queso de un platito lejano, con la sensación de estar haciendo una travesura; ahí, en una mesa que no es la de mi casa, ni la de ningún familiar ni siquiera lejano.

Todos nos vamos aflojando, sacándonos la vergüenza, probando los distintos bocaditos que aparecen a lo largo de las dos mesas. Alguien saca una cerveza que se trajo de su casa y a los diez minutos, ya le pedíamos a algún vecino que nos pasara la otra gaseosa porque la Light no nos gustaba.

Así como quien no quiere la cosa, en plena vivencia de lo cotidiano, pero extrañado (tal como ocurre con los cuentos de Carver), una actriz ataca verbalmente a otro actor y el tono cambia. Seguimos tomando vino, pero no sabemos bien si hay que mirar o no mirar o a quién mirar; como si mi tío discutiera con mi tía en medio del asado del domingo. Sí, somos parte del lugar en el que acontece el presente de esa ficción, de esas historias cotidianas corridas de eje. Los actores se paran, caminan entre las sillas, toman algún objeto de la mesa, se sientan entre nosotros, se hablan unos a otros, nos miran, nos implican. Respiramos con ellos. Una escena queda interrumpida, con la latencia de los puntos suspensivos. Y de repente, alguien nos recita un poema, ese formato de lenguaje que nos es tan distante. Entonces, nos volvemos a convencer de nuestra condición de espectadores. En esta oscilación entre incorporarnos a la ficción y recordarnos que no somos parte de ella es que “Parte de este mundo” coquetea con nosotros, se nos vuelve experiencia física, nos impacta en el cuerpo.

Adrián Canale logra poner en escena algo más que simplemente la adaptación teatral de los cuentos de Carver, sino la huella que ellos dejan en nosotros.

Es justo resaltar el trabajo actoral del grupo que percibe a su público con aguzada atención y le devuelve algo de lo que allí ya estaba latiendo sin palabras. Destaca la profundidad del trabajo de Tian Brass, Silvio Palmucci, María Zambelli y la actriz invitada de la fecha, Natalia Olabe.

Un trabajo sensible para cerrar el fin de semana con la panza llena y el corazón contento.

Ficha Artística:
Dramaturgia: Adrián Canale
Actúan: Tian Brass, Valeria Castro, Sergio Di Florio, Silvio Palmucci, Sylvia Tavcar, Ximena Viscarret, Maria Zambelli
Ambientación:  Gabriela Delmastro
Diseño de vestuario: Gabriela Delmastro
Asistencia de dirección: Belén Bevcar
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Dirección: Adrián Canale

ABASTO SOCIAL CLUB
Yatay 666 CABA
Reservas: 4738-3964
Web: http://www.abastosocialclub.wix.com/yatay666
Con consumición: $ 60,00 / $ 45,00 - Domingo - 20:00 hs - Hasta el 12/05/2013