Matrioska, mientras se pueda.

“Pronto moriremos y se olvidarán de nosotros”

Salvar su teatro y con él sus propias vidas: este es el deseo de un grupo de actores, que bajo el techo de un edificio venido a menos se proponen un homenaje absurdo con el único objetivo de preservarlo y preservarse a sí mismos.

“Matrioska, mientras se pueda” es el resultado de una creación colectiva en donde su director, Marcelo Savignone, evoca personajes y textos de Anton Chéjov y los inserta dentro de una historia nueva, en donde los mundos íntimos de cada personaje se entremezclan y salen a relucir sus miedos y frustraciones más profundas, su deseo de prevalecer; y en medio de este caos, un intento en vano por salvar su teatro.

Desde el punto de vista estético la obra es perfecta: una escenografía concisa e ingeniosa se conjuga con un vestuario muy cuidado y la picardía de un director que constantemente crea imágenes yuxtapuestas, juegos coreográficos con luces y climas que embellecen el caos dominante. La elección musical la provee de dinámica, ritmo y una intensidad que avanza y no da lugar a respiro.

Savignone logra atmósferas bien definidas, situaciones donde el espectador continuamente se identifica o se ríe de estos personajes, pero nunca deja de acompañarlos en sus vaivenes internos. De una poética muy particular y atractiva, esta obra contiene varios de los condimentos que considero esenciales para no dejar de verla. 

Ficha Artística

Concepción: Marcelo Savignone

Actúan: Yanina Cupini, Rocio Dominguez, Yannick du Plessis, Pedro Fiorotto, cecilia garcia Moreno, Gonzalo Gomez Safar, Antonella Ipekchian, Jorge Lazcano, Rocio Martinez, Rodrigo Martinez Frau, Arwen Montes de Oca, Noelia Perizzotti, Rocio Saldeña, Paola Sanabria, Carolina Silva, Sabrina Zelaschi

Diseño de escenografía: Flavio Pagola

Diseño de luces: Alfonsina Stivelman

Video: Santiago Hermida

Fotografía: Cristian Holzmann, Julián Povea

Entrenamiento corporal: Verónica Belloni, Rosina Fraschina

Asesoramiento dramatúrgico: Fernanda Del Monte

Asesoramiento musical: Mariana García Guerreiro

Asistencia de dirección: Maria Florencia Alvarez, Luciano Cohen, Rosina Fraschina, Andrea Guerrieri

Coordinación técnica: Graciela Gomez Henriquez, Emilio Muños, Mauricio Nicolao, Leandra Rodríguez

Dirección: Marcelo Savignone

El Enfermo Imaginario

S.O.S.

Retrato absurdo de una familia parisina del Siglo XVII. Un padre hipocondríaco, una esposa interesada, una hija perdidamente enamorada y una criada que se encarga de poner a cada uno en su lugar.

Argán, cegado por su invisible enfermedad, quiere casar a su hija con el hijo de un médico. No quiere un esposo para ella, sino la garantía de su medicina de por vida. Angélica quiere escapar de la decisión paterna porque su corazón es de otro. La ansiosa esposa de Argán sólo espera el día después de la muerte de su marido. 

Y Antonia, la criada,  ejecuta un plan para desenmascarar la intención de cada uno  de ellos. Un plan para mostrar el lado más grotesco de un enfermo sin síntomas, ni diagnóstico certeros. Una esposa desesperada por ser la única heredera de la fortuna familiar. Y un par de enamorados que se rebelan ante las imposiciones familiares.

Argán –protagonizado por Uner Sbriller- tan vigente si recorro la lista de todos los TOC (trastornos obsesivos compulsivos) que nos rodean.

El clásico de Moliere se resignifica desde la perspectiva del presente. En estos tiempos de trastornos psicológicos el retrato de un enfermo ficticio que corre detrás de la vida a cualquier precio no viene nada mal como la señal de S.O.S. que nos reclama notar qué hay de real y de irreal en cada uno de nosotros. 

Ficha Artística
Actuán: Florencia Auruccio, Román Pasquini, Uner Sbriller, Ja´frid Tomuch, María Eugenia Virgilio, Gustavo Yacuzio y Gabriela Zavaglia
Dirección: Gabriela Zavaglia


TEATRO COLONIAL 
Av. Paseo Colón 413 (Esq. Av. Belgrano)

Amarillo

Este espectáculo marca el lanzamiento de la primera Alianza Internacional de Intercambio Cultural entre el Complejo Teatral de Buenos Aires y el Latino International Theater Festival of New York.

La compañía mexicana Teatro línea de sombra en gira presenta Amarillo en el Teatro Regio y basa sus textos en los de Gabriel Contreras y en el poema “Muerte” de Harold Pinter.

Un espectáculo sostenido principalmente desde lo visual, desde lo multidisciplinario, con bastante despliegue escénico que intenta sostener palabras vacías, ya escuchadas y que nada dicen acerca de un tema tan delicado como es justamente esa línea de sombra que existe en la frontera de México y Estados Unidos, los sueños rotos de los que intentan cruzar ese desierto.

Un tema comprometido, tomado desde un lugar más banal que original. Un espectáculo sin información (entendiendo la información como un valor que se agrega a lo que ya se sabe). Nada nuevo se dice, nada sucede teatralmente.  

Muy fragmentado lo narrativo por un lado y lo visual por el otro, tan visual por momentos, tan bello de ver que lo argumental no flota. Una obra demasiado abierta, donde todo puede ser posible, y al la vez, no es nada, solo bonito de ver por las imágenes que proyecta.

Ficha Artística
Texto: Gabriel Contreras
Actúan: Jesús Cuevas, Antígona González, Alicia Laguna, María Luna, Raúl Mendoza, Viany Salinas
Cantantes: Jesús Cuevas
Diseño de espacio: Jesus Hernandez
Diseño de luces: Kay Pérez
Diseño sonoro: Rodrigo Espinosa
Multimedia: Kay Pérez
Música original: Jorge Verdín
Música: Jesús Cuevas
Operación de luces: Ismael Carrasco
Operación de video: Marina España
Maquinaria: Raúl Mendoza
Fotografía: Roberto Blenda
Diseño gráfico: Roberto Betancourt
Producción ejecutiva: Alicia Laguna
Puesta en escena: Jorge Vargas
Dirección técnica: Jesus Hernandez
Dirección: Jorge A. Vargas

Arizona

¿Qué te llevarías en el viaje de tu vida? ¿Libros, un cuaderno, la cámara de fotos, música?

Década del cincuenta. Tres mujeres y sus historias de amores diversos. El relato de un viaje y el mapa de vida de una mujer: Julia. Con la excusa de un reportaje ella revela su aquí  y ahora, su historia a partir de una fotografía en la llanura puntana de Arizona.

Julia dice que hay personas que nacieron para no ser elegidas. Me resisto a eso, mientras veo cómo ella se lanza a un viaje para aplacar el abandono del amor y despistar a la soledad.

Con Julia –interpretada por la actriz española Pepa Luna- me doy cuenta que sólo se necesita el latido del corazón y el galope del coraje para emprender el viaje de la vida.

En estos tiempos de GPS, “Arizona” invita a recorrer un mapa trazado por amores y desamores, un mapa basado en las aventuras del corazón.

 “Dicen que viajando se fortalece el corazón”, canta Litto Nebia. Y con Julia nada parece imposible, por más encuentros y desencuentros que se hagan presentes.

Ficha Artística
Dramaturgia: Claudio Lentz
Actúan: Pepa Luna
Vestuario, escenografía e iluminación: Raúl Marego
Asistencia General: Lucas Bauza
Producción General: Claudio Lentz
Dirección de Actores: Marc Fleta Huguet

MULTIESPACIO JXI PALERMO
Gascón 1474 CABA
Entrada: $ 50
Función: Sábados, 20.30 hs. Hasta el 10/11/2012

Criatura de Dios

"Clown mecánico... o de como lo mecánico se transforma en orgánico. Un comienzo un tanto violento, que me impresionó para bien ("¿esto también es clown?) Un cuerpo que despierta...de a poco, músculo-por-músculo, un lenguaje que se encuentra...pa-la-bra-por-pa-la-bra. ¿Es un recuerdo? ¿Es un descubrimiento? ¿Un nacimiento? ¿O un renacimiento? ¿Hay, en verdad, alguna diferencia? Un vínculo con el público a través del ojo ajeno que se convierte en la mirada propia. ¿Y dónde está el límite? 

Un clown distinto, que me hizo reir, pero no sólo reir (tampoco es que "hace reir y llorar"...la obra es sutil y no merece ese cliché). Algo que se sostiene también por la curiosidad por ver qué va a pasar. Excelentes climas que me hicieron mantener la atención todo el tiempo. Un muy buen uso de los objetos (me encantó en particular el uso de la música). En resumen, me pareció una gran obra y una gran actuación. Muy recomendable."

Ficha Artística
Dramaturgia: Guillermo Angelelli
Actúan: Darío Levin
Vestuario: Magda Banach
Escenografía: Valeria Alvarez
Realización de vestuario: Lisandro Trevi
Realización de pelucas: Cecilia Acosta
Música original: Guillermo Rey
Diseño gráfico: Kevin Orellanes
Asistencia de escenario: Micaela Fariña
Asistencia de dirección: Gastón Santos
Producción ejecutiva: Rebeca Checa
Producción general: Darío Levin
Dirección: Guillermo Angelelli

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 CABA
Teléfonos: 4862-0655
www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 60,00 - Viernes - 23:00 hs 

El Juego

El lenguaje primitivo.

“El juego” es una narración violenta y dramática de la relación entre dos mujeres. Dos mujeres que pueden ser amigas, hermanas. No lo sé. Dos bestias, llenas de ira que ni bien comienza la obra estallan en gritos y sacudidas, pero que me despiertan ternura al conocer sus historias de vida.

Las dos caras de la misma moneda. La violencia primitiva se apodera de ellas, mientras por otro andarivel el afecto y el cariño juegan a las escondidas.

“El juego” propone el intercambio de sentimientos, el salto extremo de las emociones, el huracán de las pasiones y el torbellino de las palabras que salen, sin pasar por racionalidad alguna.

La primera obra dirigida por Fermín Varangot me muestra que el juego no es algo más de la vida. Todo lo contrario. El juego es el ying y yang de la vida misma, de ese equilibrio en el que nos hacemos y deshacemos permanentemente.

Ficha Artística
Dirección: Fermín Varangot
Asistente de dirección: Andes Vázquez
Actúan: Malena Bernardi, Denise Traverso
Escenografía y vestuario: Lola Gullo
Diseño gráfico: Rodrigo Rubio

TEATRO EL FINO
Paraná 673 CABA
Teléfono: 4372-2428
Funciones: Viernes 21 hs. Hasta el 30/11/2012
Entrada: $50/$40

Riñón de Cerdo para el Desconsuelo.

“Pensé que forzar un poco el milagro, no estaba mal después de todo”

Claudio Martínez Bel y Teresita Galimany le ponen su piel a Gustave y Marie, una pareja algo singular que comparte un vínculo de amor-odio-amor que enmarcará toda la trama; unas criaturas que quise imaginarme ficticias dentro de esta ficción, una clase de duendes un tanto solitarios que nos guiarán en esta historia de amor (en todos sus sentidos posibles): amores fracasados, inconclusos, amores pasionarios; amores incondicionales. 

Gustave es un escritor al que no le ha ido demasiado bien. Para su desgracia, es contemporáneo de Samuel Beckett, quien se ha llevado todos los premios y primeros lugares en los concursos en los que han participado. Esta lucha que él solo mantiene con el personaje de Beckett lo lleva a desear matarlo. Con este fin, irrumpe en su departamento en donde encuentra el manuscrito de “Esperando a Godot”, suceso que transformará un tanto el desarrollo de los hechos.

Enamorado ferviente de la obra, corre a contarle a Marie lo sucedido. Ella, que en un principio no comprende demasiado acerca de esta pasión que se apodera de su amado Gustave, decide acompañarlo en su deseo de proteger a Beckett y su obra, eliminando todo obstáculo que se le pueda presentar al autor tanto durante su escritura como en su puesta en escena, al costo que sea. 

Frescos, adorables, enredados en situaciones absurdas, estos personajes nos transportan mediante sus peripecias a través de las vivencias de Beckett en relación a la creación de su obra, a las agitaciones que tuvo su vida durante la guerra y a sus amores. 

Incluso cuando ya no podríamos encontrar nada de qué reírnos, los actores, con ese encanto y maestría, entregan al público una imagen conmovedora y risible: conjugados en un juego de luces perfecto, un Gustave que se ha entregado por la causa, una Marie que se ha entregado por amor. 

Ficha Artística

Autoría: Alejandro Ricaño

Actúan: Teresita Galimany, Claudio Martinez Bel

Locución: Alejandro Sanz

Vestuario: Marcelo Salvioli

Escenografía: Fernando Díaz

Iluminación: Carlos Ianni

Música: Osvaldo Aguilar

Fotografía: Soledad Ianni

Pinturas: Violeta Bernuchi, Fernando Díaz, Solange Krasinsky

Diseño gráfico: Agustín Calviño

Asistencia de dirección: Mariana Arrupe

Dirección: Carlos Ianni

CELCIT

Moreno 431 CABA

Teléfonos: 4342-1026

Web: http://www.celcit.org.ar

Entrada: $ 60,00 / $ 40,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 17/11/2012 

Qué me has hecho, vida mia

Arrancame la vida

Qué el domingo no me suene tan domingo. Busco algo que me sacuda de esa sensación. 

El canto, el baile y la música impregnaron al séptimo día de los años cincuenta. María Merlino delinea con un tono bien potente los andares más relevantes de Fanny Navarro, una joven actriz que supo acaparar las miradas de todos los argentinos. 

De la mano de Merlino recorro la mítica del peronismo, sus amores con Juan Duarte -el hermano de Eva- y su bipolar relación con el poder. Pero ella no está sola, sino acompañada por Joaquín Segade, que es el artífice de los efectos especiales en vivo que me hacen sentir el radioteatro en carne propia. Los ires y venires de su historia hacen imposible que el público se quede fuera de su relato. 

“Qué me has hecho, vida mía” es un melodrama radioteatral, que hecha una mirada sobre los tiempos de la presidencia de Juan Domingo Perón y el protagonismo de Eva Duarte, sin el tamiz de la ideología.

El cine y la radio son los escenarios propicios para descubrir la fragilidad que fortalece a Fanny, que se debate entre la fama y las inquietudes del campo político. 

“Qué me has hecho, vida mía” tiñó con un clima glamoroso y algo decadente -típico de la mitad del Siglo XX- al domingo. Y con Merlino me sacudí metiéndome de lleno en la vida de una estrella de la época dorada.

Ficha Artística
Dramaturgia: Marcelo Pitrola, María Merlino, Diego Lerman
Dirección: Diego Lerman
Actores: María Merlino, Joaquín Segade
Iluminación: Fernanda Balcells
Música y Arreglos: Rafael Varela

LA CARPINTERIA
Jean Jaures 858 CABA
Funciones: sábado, 20 horas; domingo, 19.15 horas.

Quiero decir Te Amo

Cartas en primera persona

Siempre pensé que las cartas de amor son para leer y disfrutar en el calor de la intimidad recíproca. Pero el viernes tuve que resetear mi pensamiento. 

En clave de intercambio epistolar me encontré con dos mujeres del Siglo XVIII que se valen de la pluma para escapar del mal trago de la vida.

Dos mujeres que no conoceré sus nombres. Una joven rehúye de su vida declarándole su amor a un hombre que vió en un accidente y la otra, una esposa aburrida. Las más joven se lanza a escribir cartas de amor a ese señor, cuya esposa toma la posta al responderlas.

Con las cartas atravieso el discurso del amor. Ellas sostienen que el amor sólo es un invento de las mujeres, porque están convencidas que solamente las mujeres saben lo que significa. 

Transito los amores, deseos y pasiones de dos mujeres que dialogan entre sí por medio de sus palabras. Y más siento esas cartas con el acompañamiento del dúo musical que pone énfasis a cada uno de los torbellinos de sentimientos.

La ficción aporta su cuota de verdad al modificar lo real, al modificar la vida de estas dos mujeres que superan el abismo de la soledad.

“Quiero decir te amo” no sólo se proyecta ante mi mirada, sino que sucede en mi cabeza. La obra de Mariano Tenconi Blanco te sacude como el ímpetu visceral de escribir una carta para conjugarte en la primera persona del amor. 

Ficha Artística
Autoría y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Asistencia de Dirección: Marina Ortega
Actrices: María Ángeles Bonello y Yanina Gruden
Escenografía y Luces: Merlina Molina Castaño y Mariano Tenconi Blanco
Vestuario: Merlina Molina Castaño
Asistencia de Vestuario: Vanina Vargas
Maquillaje y Peinado: Gabriela Illaregui
Música: Ignacio Llobera y Santiago Johnson, salvo “Sous le dôme épais” de la ópera Lakmé” (música de Léo Delibes y libreto de Edmond Gondinet y Phillippe Gille)
Diseño Gráfico: Gabriel Jofré


LA CASONA ILUMINADA
Av. Corrientes 1979, Ciudad de Buenos Aires
Reservas: quierodecirteamo@gmail.com
La siguiente obra fue realizada originalmente para “Arenga: Vintage” y es una co-producción con La Casona Iluminada. Viernes 23 hs.

El Choque Urbano: Baila!

“Cuando crecemos no nos hacemos adultos, nos adulteramos.” Supo decir alguna vez un gran payaso. 

Una de las etapas más lindas de la vida es la niñez, ese momento en el que todo puede ser posible. Qué bien nos hace de vez en cuando acordarnos de que también nosotros fuimos niños en algún momento.

Baila! el espectáculo del Choque Urbano no sólo nos lo recuerda, sino que además nos invita a revivirlo a través de la música, el teatro y la danza. 

En esta oportunidad, a este equipo que se caracteriza por hacer percusión con los elementos que nos rodean, se une la compañía de danza C.E.M. (Compañía en Movimiento) para brindarnos un show diferente, en el que por primera vez las canciones tienen letra y aparece por todos lados el color. 

Salir de la vorágine del día a día y encontrarse de pronto frente a una plaza, repleta de juegos y colores, no es algo que nos pueda pasar muy seguido. Ante tan mágico entorno, no nos queda más que acomodarnos en nuestras butacas y sencillamente dejar que las cosas pasen.

Es de noche, la plaza está vacía. La ciudad duerme. De pronto, distintos seres la invaden, apropiándose de cada objeto que habita en ella.  La escena cobra vida y de qué manera.  A través de la música, estos mágicos personajes van descubriendo de a poco los distintos juegos propios de la infancia. Y los vemos tan felices ahí, jugando, que sin darnos cuenta buscamos nosotros también la manera de poder participar, aunque sea un ratito. 

Hay quienes lo hacen marcando el ritmo con los pies, con la cabeza o con las manos,  aunque también están los más tímidos, que con sólo sonreír les alcanza.

Todos los sentidos están puestos en juego.  Las ganas de volar, saltar, correr, como lo hacen ellos son tan fuertes que por momentos nace un escalofrío desde la punta de los pies hasta el alma y empiezan a ser parte de la escena también los recuerdos de nuestra propia infancia. 

La emoción es tan fuerte, la energía que nos trasmiten es tanta, que uno no quiere que ese instante termine jamás. 

Salimos de la sala extasiados, agradecidos y extremadamente felices. Nos vamos con algo adentro encendido, ¡y unas ganas locas de pegarle a los tachos!

Ficha Artística
Intérpretes: Santiago Ablin, Sebastián Ablin, Martin Capdeville, Analia Guzman, Eugenio Loza, Soledad Mangia, Damián Martinez, Natalia Muzio, Fabricio Ortolán, masimo, Maia Roldán, Jeremias Segall De Rosa, Eduardo Virasoro
Escenografía: Leonardo Torres
Diseño de vestuario: Laura Molina
Diseño de escenografía: Santiago "Tato" Fernández
Diseño de luces: Sandro Pujia
Diseño sonoro: Alejandro Monteros
Entrenamiento corporal: Kun Castro-Hakim Cuperman, masimo, Gustavo Silva
Entrenamiento vocal: Déborah Turza
Asistencia coreográfica: Analia Guzman
Asistencia musical: Sebastián Ablin
Asistente de producción: Mariela Ibáñez
Asistencia de dirección: Héctor Bordoni
Producción ejecutiva: Alejandra Menalled
Coreografía: Analía González
Dirección musical: Santiago Ablin
Colaboración en dirección: Martín Joab
Dirección: Santiago Ablin
Dirección general: Manuel Ablín

CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131 CABA
Teléfonos: 4864-3200
Web: http://www.ciudadculturalkonex.org
Entradas desde: $ 60,00 - Sábado - 19:00 hs - Hasta el 20/10/2012 

Macbeth

A sala llena (como era de esperarse), la obra arrancó con misterioso número musical a cargo de las tres brujas (Leticia Mazur, Débora Zanolli y Margarita Molfino) que, más tarde, marcarían a Macbeth (Alberto Ajaka) el presagio: él sería el nuevo Rey de Escocia. Lo demás es historia.

Traer un clásico de esta magnitud supone un desafío enorme y un inevitable riesgo. Muchos teatrólogos y señoras paquetas criticarán sin estribos, pero lo cierto es que, de un tiempo a esta parte, cuando leo a Shakespeare imagino mundos posibles donde podrían desarrollarse historias como estas, capaces de volar las pestañas de cualquiera. Y por más fuerza que haga es complicado salirme de la concepción clásica con vestuario de época. Sin embargo, Daulte logró crear algo distinto y jugado, que no será único ni perfecto pero sí original: un Macbeth industrial. Sentí que algunas cosas estaban llevadas a un plano más patotero, como para hacerlo más posible y cercano. Diría que este Macbeth es una cruza entre erudito y pibe del conurbano bonaerense en busca de su oportunidad. Esto torna la obra de una densidad distinta, tiñendo todo de una tónica…metalera. ¡Sí, metalera! ¿Por qué no? 

La enorme escenografía metálica montada sobre un escenario que gira sobre su eje (al mejor estilo alemán) emana una fuerza faraónica. Las situaciones se van sucediendo al compás de una musicalización acertada. Aunque el elenco está muy bien dotado, no todas las actuaciones están “a la altura”, como quien diría. Algunas joyitas están mal aprovechadas en pequeños personajes (Julieta Vallina es una). Asimismo, cada momento se ve sostenido por una conflictiva contundente.

Los textos se respetan tal cual y, según las viejas paquetas que –a la salida- se quejaban de las innovaciones del director, la traducción es excelente. Lo novedoso está en la escenografía, las armas de fuego (en lugar de espadas), el vestuario (tachas, cuero, trajes de saco y corbata, chalecos en lugar de armaduras y hasta tacones altos para Lady Macbeth), la atemporalidad de ciertos elementos y la ruptura de “la cuarta pared” gracias al impecable numerito cómico de Martín Pugliese parodiando a los personajes chicos (aunque con algunos excesos innecesarios que dejaré a criterio del espectador). La batida a duelo entre Macbeth y Macduff se lleva todas las cerezas.

“De la palabra a la acción, de la acción a la palabra”

Creo que lo más importante es recordar que el legado del viejo Shakespeare no muere en una bella, soberbia y altanera literatura, sino que debe mantenerse vivo gracias a las situaciones dramáticas que la sostienen. Porque además de ser un poeta, Willy fue un gran dramaturgo. Y por suerte el talentoso Daulte, algo canchero y modernoso, resolvió con astucia, entereza e inteligentes tijeretazos. 

Los aplausos invadieron la sala y –a pesar de mi extrema sensibilidad- no salí deslumbrada, sino excitada. No lloré, me emocioné. No sufrí, pero esquivé algunos nuditos garganteros. Comprendí, aprecié y me pude meter de lleno en la obra, así como también en la compleja y grandilocuente psiquis de esos turbios personajes tan humanos como yo.

El equipo salió a saludar. Entre abrazos y miradas cholulas, Viendo Teatro habló con algunos del elenco y allegados:

Alberto Ajaka dijo: “Siento una alegría enorme, estoy muy contento por el grupo porque nos llevamos muy bien y eso ha significado mucho para todos. Feliz también de poder devolverle a esta sala una teatralidad necesaria…nos toca generacionalmente. El proceso de creación fue muy feliz en lo humano, con mucho respeto y cariño. Eso sí, muy intenso. Y esto recién empieza.”

Nota también publicada en El Adán Buenos Aires.

Ficha Artística

Autoría: William Shakespeare

Versión: Javier Daulte

Traducción: Daniel Zamorano

Actúan: Alberto Ajaka, Valentino Alonso, Mónica Antonópulos, Fabio Aste, Federico Buso, Luciano Cáceres, Julián Calviño, Emiliano Dionisi, Leticia Mazur, Margarita Molfino, Francisco Pesqueira, Marcelo Pozzi, William Prociuk, Martín Pugliese, Agustín Rittano, Ezequiel Rodríguez, Leonardo Saggese, Alberto Suárez, Julieta Vallina, Debora Zanolli

Vestuario: Mariana Polski

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Música original: Diego Vainer

Asistencia artística: Andrea Garrote

Coreografía: Carlos Casella

Dirección: Javier Daulte

TEATRO SAN MARTIN

Av. Corrientes 1530

Teléfonos: 0800-333-5254 ó 4371-0111/18

Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar

Entradas desde: $ 60,00 - Domingo, Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 hs 

Entrada: $ 40,00 - Miércoles - 20:30 hs 

Copia Fiel

Apacheta Sala Estudio brinda su espacio cada domingo a diecisiete actrices que dan vida a “Copia Fiel”, dirigida por la actriz, directora y docente Analía Couceyro, quien dentro de una puesta en escena que sorprende en cuanto a la variedad de recursos artísticos que emplea, pone el foco sobre la visión de la mujer en la sociedad, el adoctrinamiento respecto a ciertas normas que en ella se manejan, las escollos de la adolescencia y la búsqueda de la individualidad propia de esta etapa e inherente al ser humano.

La entrenadora física del instituto cerrado Harvest nos pone al corriente: son los últimos días de este centro. Un instituto poco convencional que produce niñas donantes por medio de clonación con un único fin: desarrollarlas, convertir sus vientres en envases y hacerlas parir (aunque ellas ni siquiera saben qué). Más tarde serán donantes de órganos y, una vez “completado” el proceso, el fin de sus vidas habrá llegado. 

Se destaca la intención de enfatizar que este encierro que las acoge (enmarcado por “los de afuera”, quienes las hostigan y se oponen rotundamente a esta forma de creación de vientres y órganos, a pesar de entenderse que han sido ellos mismos los promotores de dicha situación), es el que provocará o potenciará un sinfín de situaciones. 

Niñas que adolecen, que se discriminan más de lo que son discriminadas, que se enamoran, que luchan por ser parte y diferenciarse a la vez; que aceptan, que no dudan ni cuestionan, ni tampoco se rebelan contra el sistema y toman como parte de su realidad y su naturaleza este ciclo que les toca transitar, al cual lo único que añadirían es un poco más de tiempo. Y es en medio de la búsqueda de ese tiempo añorado que necesitan para brindarse, conocer el mundo y descubrirse a sí mismas, en esa pugna entre las de adentro y los de afuera, en ese caos repleto de emblemas insólitos, es el escenario donde se extiende el mundo adolescente y femenino en su máxima expresión. 

Ficha Artística
Actúan: Virginia Azzaretti, Lola Banfi, Eugenia Blanc, Sabrina Dana, Dorina Di Modica, Maria Belen Fernandez Diaz, Carolina Fernández Kostoff, Julia Garriz, Lara Sol Gaudini, Viviana Ghizzoni, María Emilia Ladogana, Dominique Maucci, Magalí Mella, Maité Ovejero Quinteros, Cecilia Peredo, Gisela Scafati, Maiana Vega Garcia
Voz en Off: Nadynh Sandrone
Diseño de maquillaje: Daniela Godoy
Diseño de vestuario: Lara Sol Gaudini, Nadynh Sandrone
Diseño de escenografía: Félix Padrón
Diseño de luces: Cinthia Liberczuk
Diseño sonoro: Gustavo Semmartin
Operación de luces: Marco Medici
Fotografía: Marco Medici
Asistencia de escenografía: Gabriela Kohatsu, Nazareno Moyano
Asistencia de iluminación: Sonia García
Asistencia técnica: Nadynh Sandrone
Asistencia de dirección: Fabian Díaz, Francisco Sendra, Wenceslao Tejerina
Prensa: Mariano Casas Di Nardo
Coreografía: Vicky Carzoglio
Dirección: Analía Couceyro

APACHETA SALA ESTUDIO
Pasco 623 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4941-5669 / 1530142997
Web: http://apachetasalaestudio.blogspot.com
Entrada: $ 45,00 / $ 35,00 - Domingo - 17:30 hs 

Un Hueco

Siempre supe que me gustaba el teatro íntimo pero terminé de comprobarlo el domingo pasado cuando fui a ver Un hueco.

Me enteré primero que había una obra que hacía funciones en un club de barrio...esto me llamó la atención. Indagando me encuentro que, con tres semanas de anticipación y dos funciones por semana, las localidades estaban completamente agotadas…esto me inquietó. Me pregunto quienes conforman el elenco: y para mis adentros digo…y…claro: Patricio Aramburu, Nahuel Cano y Alejandro Hener. El director: Juan Pablo Gómez. Con varios premios y festivales encima y en su cuarta temporada. Fue ahí cuando le pido a Viendo Teatro que me tramite la posibilidad de cubrir esta obra y, con un mes de anticipación, tenía una cita en el Club Estrella de Maldonado. Era curioso estar entrando al club, de donde salía y entraba gente a hacer deportes (algo lógico) y yo yendo a ver una obra que se realizaba en el vestuario del primer piso. Me gustaba estar en esa situación en la que no había estado nunca…y mientras esperaba a entrar pensaba… ¡que original!

Conté que éramos diecisiete cuando nos invitan a pasar escaleras arriba. El guía nos pide que lo sigamos, por los baños, por las duchas, por los mingitorios, hasta llegar finalmente a “la sala”, con tres pequeños tablones para nosotros. Todos estábamos muy cerca. Ellos estaban muy cerca nuestro, tres actorazos dándonos la posibilidad  de observar bien de cerca, como con una lupa, una actuación magnifica, completamente verosímil. La situación dramática empieza en el momento que ingresas al vestuario y sos cómplice de un acontecimiento que sucede en simultáneo con los actores y los pocos espectadores presentes. Ahí, detrás de esa puerta, alguien está siendo velado. En el gimnasio del único club del pueblo. 

Los actores, con un admirable manejo de la tensión, van desde momentos de exaltación total al silencio ensordecedor y al llanto desconsolado. De fondo, se oyen los silbatos, los ruidos del gimnasio, los gritos, los aplausos del partido, que crean una realidad aun más posible. Por dentro, en el vestuario, un banco y un locker arman un mundo muy consistente, pero con movilidad, con destreza, dando a entender pero sin decir… 

Salí del club alucinada y diciendo: ¡¡¡siiii, tengo sed de este teatro!!!

Ficha Artística
Autoría: Patricio Aramburu, Nahuel Cano, Juan Pablo Gómez, Alejandro Hener
Dramaturgia: Juan Pablo Gómez
Actúan: Patricio Aramburu, Nahuel Cano, Alejandro Hener
Diseño de luces: José Pigu Goméz, Carolina Rolandi
Fotografía: José Pigu Goméz, Hernán Paulos
Diseño gráfico: Natalia Domato, Alejandro Nul
Asistencia de dirección: Jaime López De Mesa
Producción: Florencia De Mugica
Dirección: Juan Pablo Gómez


ESTRELLA DE MALDONADO
Av Juan B. Justo 1439 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 155 708 5927
Web: http://www.estrella-maldonado.com.ar
Entrada: $ 60,00 / $ 45,00 - Domingo - 18:30 hs y 20:00 hs - Hasta el 28/10/2012 

¿Cuánto cuestan los cristales?

Decir que el tema de Holocausto ha causado escalofríos (y lo sigue haciendo) es historia vieja. Uno va a ver esta obra esperando encontrarse con algo de ese espíritu genocida o con alguna escena ultraviolenta, quizás porque –inconcientemente- nos guste regodearnos en los costados más negroides del ser humano. ¡Pero no!, “¿Cuánto cuestan los cristales?” se trata de otra cosa.

La puesta es simple y las situaciones transcurren en dos o tres espacios montados con la misma escenografía. La artística se hace más presente en los vestuarios y maquillajes. El trabajo de dirección apunta más a los textos que, si bien son muy buenos, me resultaron un tanto informativos. Asimismo, es innegable que dicho carácter documental me brindó una clase didáctica sobre el aspecto económico/financiero de la Alemania de aquellos días. 

Lo novedoso resulta ser el giro fantástico que se apodera de toda la obra: las mujeres hacen de hombres. Vaya a saber cuál es el origen filosófico de esta propuesta, me hubiese gustado conversarlo con el director. Más allá de eso el expresionismo, las metáforas y la rigidez de los cuerpos me pintaron un cuadro bastante preciso retratando, así, aquella Alemania desconocida que tantas veces rondó por mi sien. 

Ah, ¡la historia! Y sí, como dije, no se trata directamente del genocidio. Está basada en las actas de una reunión que sostuvo la plana mayor nazi luego de la “Noche de los cristales rotos”. A eso se le suman problemas financieros y acuerdos comerciales que atraviesan toda la obra. Hitler no aparece pero se siente, está ahí, detrás de un teléfono y en los principios desmoronados de sus fieles seguidores.

Nota también publicada en el diario "El Adán Buenos Aires".

Ficha Artística

Autoría: Jacques Attali, Bertolt Brecht

Adaptación: Ricardo Halac, Manuel Iedvabni

Traducción: Ricardo Halac, Manuel Iedvabni

Actúan: Roxana Del Greco, Betty Dimov, Annie Fink, Silvia Franc, Lidia Goldberg, Ariel Levenberg, Ariel Lotersztein, Georgina Michele, Rodrigo Pagano, Myriam Poteraica, Adrián Wasergold

Vestuario: Lucio Tirao

Escenografía: Lucio Tirao

Operación de luces: Marina Roncari, Nora Roncari

Operación de sonido: Marina Roncari, Nora Roncari

Fotografía: Mara Folch

Diseño gráfico: Rodrigo Pagano, Esteban Ponce

Asistencia de dirección: Berta Epelbaum, Cecilia Milsztein

Prensa: Silvina Pizarro

Dirección: Manuel Iedvabni

AUDITORIO BEN AMÍ

Jean Jaures 746 CABA

Reservas: 4961-0527

Web: http://www.auditoriobenami.blogspot.com

Entrada: $ 50,00 - Sábado - 21:00 hs 

Psicología barata para una familia berreta

De un tiempo a esta parte he llegado a una conclusión: cuando una obra está íntimamente relacionada con historias reales, algo en ella se torna hipnotizador. Con “Psicología barata…” confirmé mi hipótesis. Algunas cosas se me escaparon, pero no dejé de prestar atención un segundo.

Si bien la pieza es extensa y merece unos recortes, la narrativa es grandiosa y la economía de conflictos se reduce a cero. O sea, los personajes se regodean en sus problemas hasta el cansancio. Esto les permite a los actores transitar las situaciones enteras y al espectador le genera un sentimiento entre tedioso y compasivo.

La historia parte de una problemática común: una familia disfuncional, cuyas debilidades se ponen en evidencia a partir de la llegada del Pibe, un técnico que viene a arreglarles una PC y termina pasando la noche con ellos. Están todos locos: el padre, la madrastra, el hijo mayor (que intenta analizar psicológicamente todo lo que va sucediendo desde su diván/cama) y el hijo menor (bebé cuya existencia se pone en tela de juicio desde lo concreto y lo abstracto). El único cuerdo parecería ser el Pibe (repito: parecería).

Por último diré que todos tienen sus momentos de brillo, pero los menores (Sebastián Roques y Santiago Alonso) se llevan mis cerezas.

Nota también publicada en el diario "El Adán Buenos Aires".

Ficha Artística

Dramaturgia: Mariano Retorta

Actúan: Santiago Alonso, Juan Martín Lami Dozo, Sebastián Roques, Mariana Santellan

Vestuario: Pablo Juan

Escenografía: José Luis Ferreyra

Diseño de luces: Los Patos

Operación de sonido: Leo Pintes

Fotografía: Pudin Santellán

Diseño gráfico: Los Patos

Dirección: Mariano Retorta

TEATRO DEL ARTEFACTO

Sarandi 760 CABA

Teléfonos: 4308-3353

Web: http://www.teatrodelartefacto.com.ar/

Entrada: $ 40,00 / $ 30,00 - Viernes - 23:00 hs