El Sr. Mikkozzi Stand Punch Comedy

La argentinidad al palo

Había una vez país llamado Argentina, habitado por más de 40 millones. Todos creían vivir felices y en armonía. Todos pensantes y coherentes. Se caracterizaban por su versatilidad ante las circunstancias. En el día eran de un bando y a la noche se cruzaban a la vereda de enfrente. Nunca se miraron sus propias narices hasta que un día arribó el Sr. Mikozzi con su Stand Punk Comedy. Y ese fue el antes del después de los argentinos. 

El Sr. Mikozzi toma miércoles a miércoles la pastilla de la impunidad para reírse de la ADN de los argentinos.  Cuando escuchás los monólogos de este gran comediante caes en la cuenta que somos una raza bastante única. Una raza cargada de contradicciones, ridiculeces. Una raza favorita en barrer bajo la alfombra ante la mirada acusadora del otro.

Los caminos del Sr. Mikozzi arma y desarma a su piacere la idosincracia argentina. Se ríe desde la vieja facha hasta del tachero. Se ríe de ese argentino que para sacar la sortija hasta se chamuya al calesitero, a toda costa.

Que no quepa la menor duda que si una se para frente al Sr. Mikozzi le hará unos Rayos X para ponerte frente a tus narices cómo somos en este loco planeta que nos toca vivir. Y ahí una tiene que elegir: o seguir a la manada de argentinos, que borran con los oídos lo que dijeron con la boca o hacerte cargo de las ridiculeces de la vida misma. 

Había una vez unos argentinos que se creían superiores en lugar de mirar su lado más estúpido en la vida. Había una vez unos argentinos que iban por la vida sabiéndolas todas. Había una vez… hasta que el Sr. Mikozzi le sacó una seriada de fotografías para escribir su cuento, con tonalidades de humor ácido, en su  nuevo espectáculo: Stand Punk Comedy.

Ficha Artística
Actor: Pablo Mikozzi
Director: Rodrigo Peiretti

TEATRO EL BULULU CLUB DE COMEDIA
Av. Rivadavia 1350
Miércoles 22 horas. Diciembre
Entrada: $60

La Mujer Puerca

Una suerte de tarima que hace las veces de escenario soporta sobre sí una mesa, algunos pocos objetos y el brazo de Valeria Lois, que sentada en una silla al costado se dispone a hacernos vivir línea a línea toda su historia. Apenas bastan una Biblia, una estatuilla de Cristo y un rosario para zambullirnos en su universo. Nada más hay a su alrededor, nada más que aire. Bastaría que la actriz diera apenas dos pasos más a su costado para que se le acabe el suelo debajo de los pies. Corona el diminuto escenario una parrilla de luces frías, blancas como de hospital.

A medida que la escucho, que voy entrando en el texto de Santiago Loza, voy comprendiendo lo acertado de la decisión de Lisandro Rodríguez: un espacio mínimo, una actriz que casi no se mueve, una voz que derrama a chorros sus desventuras. Todo en función de narrar la angustia de la incomunicación y del desencuentro con los otros. 

La obra empieza como un simple relato de anécdotas pueblerinas, de creencias ingenuas en milagros cotidianos, en apariciones religiosas demasiado improbables para ser tomadas en serio. Pero poco a poco, tras el eco de la risa cómplice del público, va surgiendo el relato de un ser abandonado y rodeado de silencio que vive permanentemente tratando de encontrar algo más ahí afuera que le justifique la existencia. Los pocos silencios que hay en los 50 minutos que dura el espectáculo, parecieran ser la espera de una voz, una imagen, un holograma de Dios que devuelva a esta mujer a su eje existencial.

La mujer puerca da todo, se resigna a ella misma, a su cuerpo, se entrega a todo aquel que la desee, en pos de conseguir ese contacto divino, esa señal certera de que ha alcanzado la pureza y la santidad. En definitiva, su deseo es obtener esa suerte de promesa de compañía y permanencia en la mente de los demás, de trascendencia más allá de su tiempo, de su espacio, de su cuerpo, de su mínimo escenario. Como un eco que no se apaga. Pero en su destino paradójico e inevitable, esta mujer no logra más que fracasar y alejarse de su objetivo, convirtiéndose en un cuerpo tan profano como la realidad misma. 

En síntesis, una obra que sacude las entrañas y nos lleva de viaje de la mano de Valeria Lois y su impecable actuación. Gran trabajo de estos talentosísimos artistas que esperamos sea reestrenado en el 2013.

Ficha Artística
Autoría: Santiago Loza
Actúan: Valeria Lois
Vestuario: Jose Escobar, Lisandro Rodriguez
Escenografía: Jose Escobar, Lisandro Rodriguez
Diseño de luces: Matías Sendón
Fotografía: Nora Lezano
Diseño gráfico: Lisandro Rodriguez
Asistencia de dirección: Cammila Gomez Grandoli
Prensa: María Sureda
Producción: Elefante Club De Teatro, Natalia Fernandez Acquier
Colaboración artística: Mariano Villamarin
Dirección: Lisandro Rodriguez

Seis

Parece magia: una va a la obra y la obra viene a una. Marina Barbera interpreta a Mare, una buscadora de tsunamis de sentimientos.

Uno. ¿Vivimos más del cambio que de la permanencia? ¿Después del cambio viene la permanencia? ¿O después de la permanencia necesitamos un cambio? ¿El huevo o la gallina? ¡Qué importa! Si nos paramos en distintos puntos de nuestra topografía humana podemos transitarlo como momentos más, sacudiéndolos de ansiedad y desesperación descontrolada.

Dos. La vida tiene tantas caras como las que se nos ocurra dibujarle. Las opciones las creamos. Pero para crearlas tenemos que animarnos a dar pasos. Esos pasos de Mare que se atreve a dar, sin importarle más que lo que le llegue, sin brújula más que su búsqueda incansable. Esos pasos que parten desde un refunfuñar hasta dejarse llevar por el ritmo del corazón.

Tres. Mare se vale de sus máscaras para andar los mil caminos, para ese andar de nunca acabar. A veces, necesita ser perro enfurecido, otra una delicada novia, otra de señor, otra más de reina de la nieve y otra césped del río o pez. 

Cuatro. Mare juega a las escondidas con el río, la naturaleza, el árbol y con el público. Busca esperando encontrar. Baila y canta como si fuera la antesala de un torbellino sentimental, que irán apoderándose de ella no por casualidad. 

Cinco. Pasos contados, pasos marcados, pasos sentidos, pasos extrovertidos. Pasos para dibujar la topografía de la causalidad. Mare es partidaria de las causalidades que nacen desde la propia naturaleza.

Seis. Uno, dos, tres, cuatro, cinco y seis pasos para encontrar y volver a buscar. Seis pasos para sentirse en casa para volver a salir. Seis pasos  para dar el séptimo y que el juego vuelva a empezar.

Seis, un unipersonal de clown que convoca a las sensaciones que todos llevamos adentro y que nos gritan para que bailemos con ellas.

Ficha Artística
Actúa: Marina Barbera
Dirección: Cristina Martí
Dramaturgia: Marina Barbera y Cristina Martí
Asistencia de Dirección: Bryce Kasson
Música: Agustín Flores Muñoz y Guillermo Rey
Vestuario: Marisa Geigner
Realización escenográfica: Valeria Alvarez
Comedia física: George Lewis
Puesta en movimiento/danza: Rhea Volij
Fotografía: Laura Wohlgemuth
Trailer: Jada Fiesta


LA CARPINTERIA TEATRO
Jean Jaures 858 CABA
Viernes 23 horas. Hasta el 30 de noviembre
Entrada: $ 60 

SMS, Somos muy sensibles

#SMS, Somos Muy Sensibles, es la nueva obra teatral dirigida por Dario Cortés. Todos los sábados a las 22 h. en Ofelia Casa Teatro.

“…El secreto es creer en vos, mas no te rindas que esto recién comenzó….”. Es un fragmento de la canción que se escucha al ingresar a la sala del Ofelia Casa Teatro. No sólo se oye esa linda musiquita (que luego leeré en el programa que es autoría de uno de los actores de la obra) si no que también vemos en escena a uno de los personajes principales de esta historia en el living de un bohemio departamento.

#SMS, Somos muy Sensibles, es una adaptación de la obra teatral Off Corrientes, escrita por Juan José Campanella y Fernando Castets en los años `70. Dirigida por Darío Cortés, esta comedia costumbrista aborda temáticas relacionadas con la amistad, los valores, los ideales, la traición, entre otros, vigentes pese al paso del tiempo. El director traslada a la actualidad esta historia principalmente haciendo alusión a las redes sociales y los teléfonos celulares como los medios de comunicación (o incomunicación en muchos momentos) característicos de los tiempos en los que vivimos.

¿Harías cualquier cosa por vender un guión?

Los personajes de #SMS son cinco y todos tienen algo en común: el arte. Constantemente se ve la lucha de la mayoría de ellos por vivir de lo que cada uno ama y lo difícil que resulta pese a los conocimientos técnicos adquiridos. Frente a esto, distintos cuestionamientos pasan por las mentes de los personajes: “¿vos nunca pensaste en largar todo a la mierda y ponerte a vender seguros?, “¿sabés a cuántos más les fue mal hoy?”,“¿vos harías cualquier cosa por vender un guión?”, son algunos de los parlamentos que se escuchan en la historia.

Distintas personalidades y maneras de accionar chocan en este departamento, y ponen en juego los valores morales de cada uno.

Son Muy Sensibles

Destacables las orgánicas actuaciones de estos jóvenes que consiguen emocionar, robar sonrisas, y a veces hasta carcajadas, a los espectadores durante la hora que dura esta pieza teatral.

Darío Cortés, director de la obra, logra que la música, iluminación, escenografía y actuación confluyan en un trabajo repleto de bellas imágenes y de contenidos que llevan a reflexionar al espectador.

Un detalle agradable es que la música de #SMS fue compuesta por tres de los integrantes del elenco (Julián Luque, Sacha Manzur y Agustín Oberto).  En definitiva, actores y director reafirman uno de los postulados de esta interesante historia: hay mucho talento dando vueltas en el “Off corrientes”.

Ficha Artística

Autoría: Juan José Campanella, Fernando Castets

Actúan: Vanina Balena, Julian Luque, Sacha Manzur, Agustín Oberto, Sebastian Ziliotto

Vestuario: María Emilia Tambutti

Escenografía: Arnaldo Taurel

Diseño de luces: Ariel Campos

Música original: Julian Luque, Sacha Manzur, Agustín Oberto

Fotografía: Grachy Ocampo

Diseño gráfico: Mariano Pérez Cabriada

Asistencia de dirección: Checha Amorosi

Producción ejecutiva: Checha Amorosi

Dirección: Dario Cortes

OFELIA CASA DE TEATRO

Honduras 4761 CABA

Sábados 22hs.

Cumbia Nena

Cumbia Nena… ¡tomá! Estas por leer esta nota, te sugiero que a partir de este momento la musicalices. Imagina un fondo de cumbia, el que quieras, la cumbiancha popular. Una habitación que podría ser la mía, pequeña, y en una repisita del fondo, unos retratos que hacen honor a Gilda y a la Difunta Correa. Una cama y un colchoncito en el suelo. Nada más, pura fe. Y nosotros tan cerca.

Dos actrices, tan bellas, con sus maletas abiertas, con sus recuerdos encima, vagabundeando, sin tiempo ni lugar corriendo detrás de su sueño: cantar cumbia. 

Mírame corazón vagabundo, de esta tierra, de otros mundos, con mi amor te abrigarás. Búscame antes de que me vaya y me vaya otra vez, ya no me quiero perder. Soy vagabunda y ya estoy cansada de andar, me duelen ya los pies de tanto…me lo cantan; y yo les creo. Ya lo dije, eso quieren: cantar cumbia. 

Un espectáculo íntimo construido con sutiles detalles expresivos, con hermosas fotos visuales, con una delicadeza que es adorable espectar y poder ser participe de ese pequeño mundo que ellas crean, donde el eje está puesto principalmente en la relación que construyen. Sus formas de mirarse, sus códigos internos, sus risas y sus llantos nos muestran a cada una tal cual es, con sinceridad y sin artificios. Se conocen tanto, se tienen tanta confianza, que lo hacen a uno sentirse como en casa. Pertenecemos a la cumbia, somos de ella, es parte de nuestra cultura.  Este espectáculo es de todos, es bien local, es bien nuestro.

Ficha Artística

Dramaturgia: Cristian Jensen

Actúan: Sara Pastor Merlo, Eugenia Perez Tomas

Vestuario: Eva Ritcher

Escenografía: Eva Ritcher

Diseño de luces: Eduardo Maggiolo

Música original: Carminha Villaverde

Fotografía: Juan Manuel Mendoza

Diseño gráfico: Juan Manuel Mendoza

Asistencia artística: Julián Cabrera, Francesca Giordano

Prensa: Tálata Rodriguez

Producción: Candelaria Sesín

Dirección: Cristian Jensen

LA CASONA ILUMINADA

Av. Corrientes 1979 CABA

Teléfonos: 4953-4232

Web: http://www.facebook.com/lacasonailu

Entrada: $ 40,00 / $ 35,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 07/12/2012 

La isla desierta

Era tarde. Esperé a mi colega, compañera y amiga Ivana Carapezza en la puerta del Konex rogando que no haya empezado aún la función. Ni bien llega, fuimos corriendo a la puerta de la sala, y sin mentalizarnos mucho con lo que estábamos a punto de 'ver', nos encontramos con un muchacho que nos hace aguardar que Jesús nos pase a buscar. Nunca fui una persona religiosa, pero ese sábado a la noche, Jesús me guió hacia un viaje lleno de color, que estimuló mis sentidos estando sentadita en una silla, a oscuras.

Debo admitir, he asistido a muchos espectáculos para ViendoTeatro con mi libretita y mi birome en mano, sólo para hacer más verosímil y confiable mi personaje de notera. En esta ocasión de poco sirvió mi utilería en tanta penumbra. La manera de entender y elaborar esta obra, es despojándose de prejuicios, y dejando que las sensaciones te sucedan.

Partiendo desde un texto maravilloso, lleno de imágenes, metáforas y distintos niveles de lectura, la puesta en escena nos hace participantes activos de cada uno de los momentos que estos personajes transitan. Sea porque se atreven a susurrarnos sus opiniones al oído, o porque con ellos nos empapamos en una terrible tormenta en medio del mar, no se puede negar que las sillas de plástico en las que Ivana y yo estábamos sentadas, fueron los vehículos indispensables para esta travesía de emociones.

Ojo, costó entrar en código, costó mucho, y no todo fue pura risa y felicidad. Pero creo, que si luego de haber pasado dos horas a ciegas , lo primero que se comenta es lo increíble que fue la experiencia, y no el placer de poder volver a ver, entonces el tener los ojos inútiles pasó a un último plano. 

Repito, la forma de disfrutar La Isla Desierta, es dejando afuera toda pretensión, les aseguro que nada tan terrible les puede llegar a suceder. Y si se quieren ir de todas formas, sólo tienen que usar su voz y pedirle a Jesús que los acompañe a la luz.

Ficha Artística
Autoría: Roberto Arlt
Actúan: Laura Cuffini, Mirna Gamarra, Marcelo Gianmmarco, Eduardo Maceda, Francisco Menchaca, Juan Carlos Mendoza, Mateo Terrile, Verónica Trinidad
Sonido: Cruz Aquino
Dirección: José Menchaca

CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131 CABA
Entrada: $ 80,00 - Viernes y Sábado - 20:15 hs y 22:15 hs 

Las sombras caminan muy lento

El pozo de las sombras

El capricho de las sombras es que caigas para no volver.  La vida tiene dos miradas. Una mirada simplista del paso de las sombras en el que quedas atrapado y nada podes hacer. Y la mirada compleja, que desafía el danzar tenebroso de las sombras  antes que caer en la resignación de un pozo.

Lali, Susi y Antonella. Tres mujeres buscándole la vuelta al destino o escapándose por la puerta de atrás, porque no creen en las salidas de emergencia.

Una habitación oscura, casi abandonada, es el ícono de sus vidas. Ese lugar refugio donde conjugan, mezclan y superponen sus historias de vidas que le depararon el oficio más viejo del mundo, como dice Gabriel García Márquez.

Historias fantasmas que las arrastran hasta el asfixio. Susi,  interpretada por Pepa Luna, una madre preocupada por la crianza de su hija, de brindarle una vida totalmente distinta a la suya. Rosario Sabarrena interpreta a Lali, que llora por ese amor adictivo que nunca existió. Y Antonella –Malena Sánchez- desenredando el ovillo de la adolescencia.

Tres mujeres debatiéndose entre sus sentimientos y sus realidades. Tres mujeres tirando de sus riendas para no caer en el vacío y la frialdad de un mundo que no para, ni da respiro.

Tres mujeres luchando contra sus propias sombras para no darse por vencidas en sus propios infiernos.

“Las sombras caminan muy lento”, del director Hernán Pairetti, muestra a Lali, Susi y Antonella como esas tres quijotas del Siglo XXI revolucionando sus propias sombras para no caer en ningún pozo.

Ficha Artística
Actúan: Pepa Luna, Rosario Sabarrena y Malena Sánchez
Texto: Rogelio Borra García
Dirección y Producción General: Hernán Pairetti
Asistencia de Dirección y Producción Técnica: Maximiliano Chaves
Diseño: Augusto Manzano

TEATRO LA CLAC
Av. de Mayo 1158 CABA
Tres únicas funciones: miércoles 14, 21 y 28 de noviembre, 21.30 horas
Entradas: $ 60

Claun en Chancleta Varieté

Foto: Sabrina Porcel

El festival de la alegría

Cuando los magos, los artistas, los músicos y los payasos conquisten el mundo todo cambiará. Al menos, esto pasó unos días en esta ciudad casi jungla de los humores porteños.

  

Que la alegría no es sólo brasilera es verdad. Este domingo Guapachoza me abrió sus puertas para disfrutar del espectáculo de clowns y humoristas  “Claun en Chancleta” presentados por Diego Benjamín Pérez (Elmo Lesto), en el marco del cierre de la sexta edición del Festival de Varietés de Guapachoza.

Un grupo de artistas me dio un buen respiro para hacer de la carcajada y el disparate el latir de mi corazón. Le puse mute a la maldita vorágine que intenta hacerme creer que la risa es un elemento más de la escena cotidiana sin dejar trascender su verdadero papel protagónico.

En la Varieté vi mucha gente pasarla bien con números que no exceden los quince minutos y con el humor a flor de piel. La gente se divierte mientras cena o toma algo con sus amigos. Un ambiente distendido hace posible que todos se rían cual niños fascinados con su juguete preferido. 

Antes de empezar a pispear el ambiente del espectáculo me preguntaba qué era una varieté. Y en estos tiempos me di cuenta que la varieté se vive, se descubre, se busca para alimentarte con una y mil fantasías. 

Si bien es un género que crece y resiste en los más recónditos lugares de la ciudad, no sólo es una buena propuesta para la diversión, sino para mirar a este mundo que nos toca vivir bajo el prisma múltiple de la crítica, el asombro y la ilusión.

Claun en Chancleta es una buena excusa para atreverse a otro mundo, para sumarse a nuevas movidas artísticas y seguir de cerca las andanzas de los maestros de la risa.

Alguna vez leí que hay pruebas que si una sonríe, la sonrisa contagia toda la fisiología y una se vuelve más contenta y menos propensa a mal humorarse. Claun en Chancleta es más que una prueba, es el lugar de esta jungla urbana donde la risa dispone y propone. 

Ficha Artística

Presenta: Diego Benjamín Pérez (Elmo Lesto)

Actúan: Artistas diferentes todos los domingos.

GUAPACHOZA

Jean Jaures 715 CABA

Domingos 20 hs A la gorra

Humanidad S.A.

“Como si el silencio ocupara el espacio de lo innombrable, de lo indefinible…

y tal vez de lo efímero, de aquello que irremediablemente se nos escapa, se nos pierde, se nos diluye.”

Carlos Skliar

Pocas veces sucede algo tan maravilloso; ver en una misma sala niños muy pequeños junto a adultos de todas las edades, adolescentes y jóvenes, todos disfrutando del mismo espectáculo, atentos al más mínimo movimiento, pendientes de cada detalle, entretenidos, abstraídos, transportados, en completo silencio. 

Es increíble como Humanidad S.A. logra a través de la música, las imágenes y el gran talento de los cuerpos en escena, sin usar casi la palabra, mantener toda una heterogénea sala absolutamente compenetrada en lo que está sucediendo en el escenario. El silencio del público sólo se rompe para darle lugar a las carcajadas, que brotan continuamente de las sonrisas ya instaladas en los rostros apenas comienza la función. 

Una escenografía ingeniosa, imponente, hecha toda de materiales reciclados. Un vagabundo inmensamente tierno (Jorge Costa), una frágil mendiga (Luisina Di Chenna) y un policía que permite las más divertidas persecuciones (Esteban Parola), hacen de esta dramática historia, una comedia que conmueve y transforma. 

Esta superproducción independiente, en homenaje a Charles Chaplin, deja al descubierto cuestiones esenciales acerca del verdadero valor humano.  Nos muestra la miseria propia de la sociedad en la que vivimos y el detalle está en la forma en que lo hace.  A través de la simpleza de las cosas más comunes,  revela que más allá de todas nuestras flaquezas, somos capaces siempre, aún en los peores momentos, de reciclar la esperanza y la inocencia.

Un espectáculo como este no tiene precio. ¿Será por eso que es a la gorra? 

Que todos tengamos las mismas posibilidades de acceder a él, es el cierre perfecto del círculo. En la sensibilidad, en el disfrute de lo bello, de lo que nos emociona, volvemos a ser iguales. ¡Gracias por brindarnos ese espacio, un verdadero momento de humanidad!  

Ficha Artística
Dramaturgia: Jorge Costa, Luisina Di Chenna, Sergio Misuraca, Julia Muzio, Esteban Parola
Actúan: Jorge Costa, Luisina Di Chenna, Esteban Parola
Diseño de máscaras: Alfredo Iriarte Pereyra
Realización de escenografia: Pablo Cordero Jaume, Katya Da Asis
Realización de vestuario: Luisina Di Chenna, Carolina Espíndola, Esteban Parola
Realización de máscaras: Alfredo Iriarte Pereyra
Audiovisuales: Victoria Muzio
Diseño gráfico: Andrés Kyle
Asistencia técnica: Laura Mickelsen, Carla Roseti
Asistente de sonido: Pablo López Pereira
Asistente de producción: Sergio Misuraca
Dirección: Jorge Costa

CENTRO CULTURAL ADAN BUENOSAYRES

Av. Asamblea 1200 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4923-5876 / 4923-5669

Web: http://amigosdeladan.blogspot.com

Sábados 17 hs. A la gorra.

Granos de uva en el paladar

Toda obra que hable de la guerra civil española corre los mismos riesgos que cualquier obra sobre la última dictadura argentina: caer en lugares comunes y golpes bajos. Sí, ya sabemos que fue horrible y que murió mucha gente. Lo que interesa es qué se puede contar a partir de eso. 

En este sentido “Granos” consigue salir del plano puramente moral para hacer una propuesta estética muy interesante y disfrutable. 

Un aspecto que me llamó mucho la atención es el uso de las mismas personas para hacer distintos personajes en lapsos cortos de tiempo, como si estuvieran jugando a ser. Esto fue muy, pero muy interesante, aunque por momentos me confundí y no entendí quién era quién (agravado por el hecho de que los pocos personajes masculinos también están representados por actrices). Ciertos saltos temporales también me confundieron un poco. Algo parecido pasa con la ropa, que se va transformando en distintas prendas y objetos. ¡Un muy buen recurso! 

Como siempre que veo una obra con elenco español un punto menor, pero que puede ser vital es la pronunciación de los actores. En este caso, no me demandó ningún problema de comprensión ni ningún esfuerzo adicional.

Las actuaciones son sólidas, aunque con un estilo afectado que a mi no me llega. De todas formas, no es ahí donde está el énfasis. 

En resumen, me pareció muy buena y recomendable. La volvería a ver sin problemas.

Ficha Artística
Dramaturgia: Susana Hornos, Zaida Rico
Actúan: Arantza Alonso Peralta, Morgane Amalia, Lucía Andreotta, Marta Cuenca, Clara Díaz, Ruth Palleja
Vestuario: Néstor Burgos
Iluminación: Mariano Arrigoni
Caracterización: Néstor Burgos
Diseño de escenografía: Alejandro Mateo
Realización de escenografia: Chinthia Chomsky
Música original: Gonzalo Morales
Fotografía: Akira Patiño
Diseño gráfico: Sergio Calvo
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Pablo Silva
Coreografía: Antonio Luppi
Dirección: Susana Hornos, Zaida Rico

TEATRO PAYRÓ
San Martin 766 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4312-5922
Web: http://www.teatropayro.com.ar/
Entrada: $ 60,00 / $ 30,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 30/11/2012 

Lima Japón Bonsai

El secuestro de un amor

Una obra que le da pinceladas de colores y énfasis de acentos al amor de hoy en día, reinventándolo en la historia de Izumo, la hija del embajador nipón, y Ollantay, el campesino. Un secuestro impensado que depara en una breve historia de amor.

Una mezcla de drama y erotismo que salva a la historia de la típica secuencia amorosa: buscarse, besarse y enamorarse. Izumo y Ollantay viven el amor más trágico, pero no por eso menos intenso. 

Un amor basado en el secuestro de la hija del embajador de Japón en manos del Movimiento Revolucionario Tupac Amaru, en Perú, allá por 1996. Pero Mariano Tenconi lo pinta a su manera, con una mirada que nota los detalles que otros no pueden ver. 

Una historia sencilla que reclamo más amor, por favor, en estos tiempos de hoy.

Ficha Artística
Texto y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Asistencia de Dirección: María Ángeles Bonello
Actúan: Yanina Gruden y Luciano Ricio
Música: Pix Gregen (Ignacio Lovera y Santiago Johnson)
Presentadora: La Chola Power
Escenografía: Elisa Sanchez
Vestuario: Merlina Molina Castaño
Iluminación: Julio A. Lopez
Diseño Gráfico: Gabriel Jofré
Producción Asociada: María Solari

TEATRO EL ELEFANTE
Guardia Vieja 4257. CABA
Segunda Temporada
Función: Domingo, 21 horas.
Reservas: 4821-2136
Esta obra formó parte del ciclo El Porvenir (Teatro Sub30)

Matrioska, mientras se pueda.

“Pronto moriremos y se olvidarán de nosotros”

Salvar su teatro y con él sus propias vidas: este es el deseo de un grupo de actores, que bajo el techo de un edificio venido a menos se proponen un homenaje absurdo con el único objetivo de preservarlo y preservarse a sí mismos.

“Matrioska, mientras se pueda” es el resultado de una creación colectiva en donde su director, Marcelo Savignone, evoca personajes y textos de Anton Chéjov y los inserta dentro de una historia nueva, en donde los mundos íntimos de cada personaje se entremezclan y salen a relucir sus miedos y frustraciones más profundas, su deseo de prevalecer; y en medio de este caos, un intento en vano por salvar su teatro.

Desde el punto de vista estético la obra es perfecta: una escenografía concisa e ingeniosa se conjuga con un vestuario muy cuidado y la picardía de un director que constantemente crea imágenes yuxtapuestas, juegos coreográficos con luces y climas que embellecen el caos dominante. La elección musical la provee de dinámica, ritmo y una intensidad que avanza y no da lugar a respiro.

Savignone logra atmósferas bien definidas, situaciones donde el espectador continuamente se identifica o se ríe de estos personajes, pero nunca deja de acompañarlos en sus vaivenes internos. De una poética muy particular y atractiva, esta obra contiene varios de los condimentos que considero esenciales para no dejar de verla. 

Ficha Artística

Concepción: Marcelo Savignone

Actúan: Yanina Cupini, Rocio Dominguez, Yannick du Plessis, Pedro Fiorotto, cecilia garcia Moreno, Gonzalo Gomez Safar, Antonella Ipekchian, Jorge Lazcano, Rocio Martinez, Rodrigo Martinez Frau, Arwen Montes de Oca, Noelia Perizzotti, Rocio Saldeña, Paola Sanabria, Carolina Silva, Sabrina Zelaschi

Diseño de escenografía: Flavio Pagola

Diseño de luces: Alfonsina Stivelman

Video: Santiago Hermida

Fotografía: Cristian Holzmann, Julián Povea

Entrenamiento corporal: Verónica Belloni, Rosina Fraschina

Asesoramiento dramatúrgico: Fernanda Del Monte

Asesoramiento musical: Mariana García Guerreiro

Asistencia de dirección: Maria Florencia Alvarez, Luciano Cohen, Rosina Fraschina, Andrea Guerrieri

Coordinación técnica: Graciela Gomez Henriquez, Emilio Muños, Mauricio Nicolao, Leandra Rodríguez

Dirección: Marcelo Savignone

El Enfermo Imaginario

S.O.S.

Retrato absurdo de una familia parisina del Siglo XVII. Un padre hipocondríaco, una esposa interesada, una hija perdidamente enamorada y una criada que se encarga de poner a cada uno en su lugar.

Argán, cegado por su invisible enfermedad, quiere casar a su hija con el hijo de un médico. No quiere un esposo para ella, sino la garantía de su medicina de por vida. Angélica quiere escapar de la decisión paterna porque su corazón es de otro. La ansiosa esposa de Argán sólo espera el día después de la muerte de su marido. 

Y Antonia, la criada,  ejecuta un plan para desenmascarar la intención de cada uno  de ellos. Un plan para mostrar el lado más grotesco de un enfermo sin síntomas, ni diagnóstico certeros. Una esposa desesperada por ser la única heredera de la fortuna familiar. Y un par de enamorados que se rebelan ante las imposiciones familiares.

Argán –protagonizado por Uner Sbriller- tan vigente si recorro la lista de todos los TOC (trastornos obsesivos compulsivos) que nos rodean.

El clásico de Moliere se resignifica desde la perspectiva del presente. En estos tiempos de trastornos psicológicos el retrato de un enfermo ficticio que corre detrás de la vida a cualquier precio no viene nada mal como la señal de S.O.S. que nos reclama notar qué hay de real y de irreal en cada uno de nosotros. 

Ficha Artística
Actuán: Florencia Auruccio, Román Pasquini, Uner Sbriller, Ja´frid Tomuch, María Eugenia Virgilio, Gustavo Yacuzio y Gabriela Zavaglia
Dirección: Gabriela Zavaglia


TEATRO COLONIAL 
Av. Paseo Colón 413 (Esq. Av. Belgrano)

Amarillo

Este espectáculo marca el lanzamiento de la primera Alianza Internacional de Intercambio Cultural entre el Complejo Teatral de Buenos Aires y el Latino International Theater Festival of New York.

La compañía mexicana Teatro línea de sombra en gira presenta Amarillo en el Teatro Regio y basa sus textos en los de Gabriel Contreras y en el poema “Muerte” de Harold Pinter.

Un espectáculo sostenido principalmente desde lo visual, desde lo multidisciplinario, con bastante despliegue escénico que intenta sostener palabras vacías, ya escuchadas y que nada dicen acerca de un tema tan delicado como es justamente esa línea de sombra que existe en la frontera de México y Estados Unidos, los sueños rotos de los que intentan cruzar ese desierto.

Un tema comprometido, tomado desde un lugar más banal que original. Un espectáculo sin información (entendiendo la información como un valor que se agrega a lo que ya se sabe). Nada nuevo se dice, nada sucede teatralmente.  

Muy fragmentado lo narrativo por un lado y lo visual por el otro, tan visual por momentos, tan bello de ver que lo argumental no flota. Una obra demasiado abierta, donde todo puede ser posible, y al la vez, no es nada, solo bonito de ver por las imágenes que proyecta.

Ficha Artística
Texto: Gabriel Contreras
Actúan: Jesús Cuevas, Antígona González, Alicia Laguna, María Luna, Raúl Mendoza, Viany Salinas
Cantantes: Jesús Cuevas
Diseño de espacio: Jesus Hernandez
Diseño de luces: Kay Pérez
Diseño sonoro: Rodrigo Espinosa
Multimedia: Kay Pérez
Música original: Jorge Verdín
Música: Jesús Cuevas
Operación de luces: Ismael Carrasco
Operación de video: Marina España
Maquinaria: Raúl Mendoza
Fotografía: Roberto Blenda
Diseño gráfico: Roberto Betancourt
Producción ejecutiva: Alicia Laguna
Puesta en escena: Jorge Vargas
Dirección técnica: Jesus Hernandez
Dirección: Jorge A. Vargas

Arizona

¿Qué te llevarías en el viaje de tu vida? ¿Libros, un cuaderno, la cámara de fotos, música?

Década del cincuenta. Tres mujeres y sus historias de amores diversos. El relato de un viaje y el mapa de vida de una mujer: Julia. Con la excusa de un reportaje ella revela su aquí  y ahora, su historia a partir de una fotografía en la llanura puntana de Arizona.

Julia dice que hay personas que nacieron para no ser elegidas. Me resisto a eso, mientras veo cómo ella se lanza a un viaje para aplacar el abandono del amor y despistar a la soledad.

Con Julia –interpretada por la actriz española Pepa Luna- me doy cuenta que sólo se necesita el latido del corazón y el galope del coraje para emprender el viaje de la vida.

En estos tiempos de GPS, “Arizona” invita a recorrer un mapa trazado por amores y desamores, un mapa basado en las aventuras del corazón.

 “Dicen que viajando se fortalece el corazón”, canta Litto Nebia. Y con Julia nada parece imposible, por más encuentros y desencuentros que se hagan presentes.

Ficha Artística
Dramaturgia: Claudio Lentz
Actúan: Pepa Luna
Vestuario, escenografía e iluminación: Raúl Marego
Asistencia General: Lucas Bauza
Producción General: Claudio Lentz
Dirección de Actores: Marc Fleta Huguet

MULTIESPACIO JXI PALERMO
Gascón 1474 CABA
Entrada: $ 50
Función: Sábados, 20.30 hs. Hasta el 10/11/2012

Criatura de Dios

"Clown mecánico... o de como lo mecánico se transforma en orgánico. Un comienzo un tanto violento, que me impresionó para bien ("¿esto también es clown?) Un cuerpo que despierta...de a poco, músculo-por-músculo, un lenguaje que se encuentra...pa-la-bra-por-pa-la-bra. ¿Es un recuerdo? ¿Es un descubrimiento? ¿Un nacimiento? ¿O un renacimiento? ¿Hay, en verdad, alguna diferencia? Un vínculo con el público a través del ojo ajeno que se convierte en la mirada propia. ¿Y dónde está el límite? 

Un clown distinto, que me hizo reir, pero no sólo reir (tampoco es que "hace reir y llorar"...la obra es sutil y no merece ese cliché). Algo que se sostiene también por la curiosidad por ver qué va a pasar. Excelentes climas que me hicieron mantener la atención todo el tiempo. Un muy buen uso de los objetos (me encantó en particular el uso de la música). En resumen, me pareció una gran obra y una gran actuación. Muy recomendable."

Ficha Artística
Dramaturgia: Guillermo Angelelli
Actúan: Darío Levin
Vestuario: Magda Banach
Escenografía: Valeria Alvarez
Realización de vestuario: Lisandro Trevi
Realización de pelucas: Cecilia Acosta
Música original: Guillermo Rey
Diseño gráfico: Kevin Orellanes
Asistencia de escenario: Micaela Fariña
Asistencia de dirección: Gastón Santos
Producción ejecutiva: Rebeca Checa
Producción general: Darío Levin
Dirección: Guillermo Angelelli

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 CABA
Teléfonos: 4862-0655
www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 60,00 - Viernes - 23:00 hs 

El Juego

El lenguaje primitivo.

“El juego” es una narración violenta y dramática de la relación entre dos mujeres. Dos mujeres que pueden ser amigas, hermanas. No lo sé. Dos bestias, llenas de ira que ni bien comienza la obra estallan en gritos y sacudidas, pero que me despiertan ternura al conocer sus historias de vida.

Las dos caras de la misma moneda. La violencia primitiva se apodera de ellas, mientras por otro andarivel el afecto y el cariño juegan a las escondidas.

“El juego” propone el intercambio de sentimientos, el salto extremo de las emociones, el huracán de las pasiones y el torbellino de las palabras que salen, sin pasar por racionalidad alguna.

La primera obra dirigida por Fermín Varangot me muestra que el juego no es algo más de la vida. Todo lo contrario. El juego es el ying y yang de la vida misma, de ese equilibrio en el que nos hacemos y deshacemos permanentemente.

Ficha Artística
Dirección: Fermín Varangot
Asistente de dirección: Andes Vázquez
Actúan: Malena Bernardi, Denise Traverso
Escenografía y vestuario: Lola Gullo
Diseño gráfico: Rodrigo Rubio

TEATRO EL FINO
Paraná 673 CABA
Teléfono: 4372-2428
Funciones: Viernes 21 hs. Hasta el 30/11/2012
Entrada: $50/$40

Riñón de Cerdo para el Desconsuelo.

“Pensé que forzar un poco el milagro, no estaba mal después de todo”

Claudio Martínez Bel y Teresita Galimany le ponen su piel a Gustave y Marie, una pareja algo singular que comparte un vínculo de amor-odio-amor que enmarcará toda la trama; unas criaturas que quise imaginarme ficticias dentro de esta ficción, una clase de duendes un tanto solitarios que nos guiarán en esta historia de amor (en todos sus sentidos posibles): amores fracasados, inconclusos, amores pasionarios; amores incondicionales. 

Gustave es un escritor al que no le ha ido demasiado bien. Para su desgracia, es contemporáneo de Samuel Beckett, quien se ha llevado todos los premios y primeros lugares en los concursos en los que han participado. Esta lucha que él solo mantiene con el personaje de Beckett lo lleva a desear matarlo. Con este fin, irrumpe en su departamento en donde encuentra el manuscrito de “Esperando a Godot”, suceso que transformará un tanto el desarrollo de los hechos.

Enamorado ferviente de la obra, corre a contarle a Marie lo sucedido. Ella, que en un principio no comprende demasiado acerca de esta pasión que se apodera de su amado Gustave, decide acompañarlo en su deseo de proteger a Beckett y su obra, eliminando todo obstáculo que se le pueda presentar al autor tanto durante su escritura como en su puesta en escena, al costo que sea. 

Frescos, adorables, enredados en situaciones absurdas, estos personajes nos transportan mediante sus peripecias a través de las vivencias de Beckett en relación a la creación de su obra, a las agitaciones que tuvo su vida durante la guerra y a sus amores. 

Incluso cuando ya no podríamos encontrar nada de qué reírnos, los actores, con ese encanto y maestría, entregan al público una imagen conmovedora y risible: conjugados en un juego de luces perfecto, un Gustave que se ha entregado por la causa, una Marie que se ha entregado por amor. 

Ficha Artística

Autoría: Alejandro Ricaño

Actúan: Teresita Galimany, Claudio Martinez Bel

Locución: Alejandro Sanz

Vestuario: Marcelo Salvioli

Escenografía: Fernando Díaz

Iluminación: Carlos Ianni

Música: Osvaldo Aguilar

Fotografía: Soledad Ianni

Pinturas: Violeta Bernuchi, Fernando Díaz, Solange Krasinsky

Diseño gráfico: Agustín Calviño

Asistencia de dirección: Mariana Arrupe

Dirección: Carlos Ianni

CELCIT

Moreno 431 CABA

Teléfonos: 4342-1026

Web: http://www.celcit.org.ar

Entrada: $ 60,00 / $ 40,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 17/11/2012 

Qué me has hecho, vida mia

Arrancame la vida

Qué el domingo no me suene tan domingo. Busco algo que me sacuda de esa sensación. 

El canto, el baile y la música impregnaron al séptimo día de los años cincuenta. María Merlino delinea con un tono bien potente los andares más relevantes de Fanny Navarro, una joven actriz que supo acaparar las miradas de todos los argentinos. 

De la mano de Merlino recorro la mítica del peronismo, sus amores con Juan Duarte -el hermano de Eva- y su bipolar relación con el poder. Pero ella no está sola, sino acompañada por Joaquín Segade, que es el artífice de los efectos especiales en vivo que me hacen sentir el radioteatro en carne propia. Los ires y venires de su historia hacen imposible que el público se quede fuera de su relato. 

“Qué me has hecho, vida mía” es un melodrama radioteatral, que hecha una mirada sobre los tiempos de la presidencia de Juan Domingo Perón y el protagonismo de Eva Duarte, sin el tamiz de la ideología.

El cine y la radio son los escenarios propicios para descubrir la fragilidad que fortalece a Fanny, que se debate entre la fama y las inquietudes del campo político. 

“Qué me has hecho, vida mía” tiñó con un clima glamoroso y algo decadente -típico de la mitad del Siglo XX- al domingo. Y con Merlino me sacudí metiéndome de lleno en la vida de una estrella de la época dorada.

Ficha Artística
Dramaturgia: Marcelo Pitrola, María Merlino, Diego Lerman
Dirección: Diego Lerman
Actores: María Merlino, Joaquín Segade
Iluminación: Fernanda Balcells
Música y Arreglos: Rafael Varela

LA CARPINTERIA
Jean Jaures 858 CABA
Funciones: sábado, 20 horas; domingo, 19.15 horas.

Quiero decir Te Amo

Cartas en primera persona

Siempre pensé que las cartas de amor son para leer y disfrutar en el calor de la intimidad recíproca. Pero el viernes tuve que resetear mi pensamiento. 

En clave de intercambio epistolar me encontré con dos mujeres del Siglo XVIII que se valen de la pluma para escapar del mal trago de la vida.

Dos mujeres que no conoceré sus nombres. Una joven rehúye de su vida declarándole su amor a un hombre que vió en un accidente y la otra, una esposa aburrida. Las más joven se lanza a escribir cartas de amor a ese señor, cuya esposa toma la posta al responderlas.

Con las cartas atravieso el discurso del amor. Ellas sostienen que el amor sólo es un invento de las mujeres, porque están convencidas que solamente las mujeres saben lo que significa. 

Transito los amores, deseos y pasiones de dos mujeres que dialogan entre sí por medio de sus palabras. Y más siento esas cartas con el acompañamiento del dúo musical que pone énfasis a cada uno de los torbellinos de sentimientos.

La ficción aporta su cuota de verdad al modificar lo real, al modificar la vida de estas dos mujeres que superan el abismo de la soledad.

“Quiero decir te amo” no sólo se proyecta ante mi mirada, sino que sucede en mi cabeza. La obra de Mariano Tenconi Blanco te sacude como el ímpetu visceral de escribir una carta para conjugarte en la primera persona del amor. 

Ficha Artística
Autoría y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Asistencia de Dirección: Marina Ortega
Actrices: María Ángeles Bonello y Yanina Gruden
Escenografía y Luces: Merlina Molina Castaño y Mariano Tenconi Blanco
Vestuario: Merlina Molina Castaño
Asistencia de Vestuario: Vanina Vargas
Maquillaje y Peinado: Gabriela Illaregui
Música: Ignacio Llobera y Santiago Johnson, salvo “Sous le dôme épais” de la ópera Lakmé” (música de Léo Delibes y libreto de Edmond Gondinet y Phillippe Gille)
Diseño Gráfico: Gabriel Jofré


LA CASONA ILUMINADA
Av. Corrientes 1979, Ciudad de Buenos Aires
Reservas: quierodecirteamo@gmail.com
La siguiente obra fue realizada originalmente para “Arenga: Vintage” y es una co-producción con La Casona Iluminada. Viernes 23 hs.

El Choque Urbano: Baila!

“Cuando crecemos no nos hacemos adultos, nos adulteramos.” Supo decir alguna vez un gran payaso. 

Una de las etapas más lindas de la vida es la niñez, ese momento en el que todo puede ser posible. Qué bien nos hace de vez en cuando acordarnos de que también nosotros fuimos niños en algún momento.

Baila! el espectáculo del Choque Urbano no sólo nos lo recuerda, sino que además nos invita a revivirlo a través de la música, el teatro y la danza. 

En esta oportunidad, a este equipo que se caracteriza por hacer percusión con los elementos que nos rodean, se une la compañía de danza C.E.M. (Compañía en Movimiento) para brindarnos un show diferente, en el que por primera vez las canciones tienen letra y aparece por todos lados el color. 

Salir de la vorágine del día a día y encontrarse de pronto frente a una plaza, repleta de juegos y colores, no es algo que nos pueda pasar muy seguido. Ante tan mágico entorno, no nos queda más que acomodarnos en nuestras butacas y sencillamente dejar que las cosas pasen.

Es de noche, la plaza está vacía. La ciudad duerme. De pronto, distintos seres la invaden, apropiándose de cada objeto que habita en ella.  La escena cobra vida y de qué manera.  A través de la música, estos mágicos personajes van descubriendo de a poco los distintos juegos propios de la infancia. Y los vemos tan felices ahí, jugando, que sin darnos cuenta buscamos nosotros también la manera de poder participar, aunque sea un ratito. 

Hay quienes lo hacen marcando el ritmo con los pies, con la cabeza o con las manos,  aunque también están los más tímidos, que con sólo sonreír les alcanza.

Todos los sentidos están puestos en juego.  Las ganas de volar, saltar, correr, como lo hacen ellos son tan fuertes que por momentos nace un escalofrío desde la punta de los pies hasta el alma y empiezan a ser parte de la escena también los recuerdos de nuestra propia infancia. 

La emoción es tan fuerte, la energía que nos trasmiten es tanta, que uno no quiere que ese instante termine jamás. 

Salimos de la sala extasiados, agradecidos y extremadamente felices. Nos vamos con algo adentro encendido, ¡y unas ganas locas de pegarle a los tachos!

Ficha Artística
Intérpretes: Santiago Ablin, Sebastián Ablin, Martin Capdeville, Analia Guzman, Eugenio Loza, Soledad Mangia, Damián Martinez, Natalia Muzio, Fabricio Ortolán, masimo, Maia Roldán, Jeremias Segall De Rosa, Eduardo Virasoro
Escenografía: Leonardo Torres
Diseño de vestuario: Laura Molina
Diseño de escenografía: Santiago "Tato" Fernández
Diseño de luces: Sandro Pujia
Diseño sonoro: Alejandro Monteros
Entrenamiento corporal: Kun Castro-Hakim Cuperman, masimo, Gustavo Silva
Entrenamiento vocal: Déborah Turza
Asistencia coreográfica: Analia Guzman
Asistencia musical: Sebastián Ablin
Asistente de producción: Mariela Ibáñez
Asistencia de dirección: Héctor Bordoni
Producción ejecutiva: Alejandra Menalled
Coreografía: Analía González
Dirección musical: Santiago Ablin
Colaboración en dirección: Martín Joab
Dirección: Santiago Ablin
Dirección general: Manuel Ablín

CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131 CABA
Teléfonos: 4864-3200
Web: http://www.ciudadculturalkonex.org
Entradas desde: $ 60,00 - Sábado - 19:00 hs - Hasta el 20/10/2012 

Macbeth

A sala llena (como era de esperarse), la obra arrancó con misterioso número musical a cargo de las tres brujas (Leticia Mazur, Débora Zanolli y Margarita Molfino) que, más tarde, marcarían a Macbeth (Alberto Ajaka) el presagio: él sería el nuevo Rey de Escocia. Lo demás es historia.

Traer un clásico de esta magnitud supone un desafío enorme y un inevitable riesgo. Muchos teatrólogos y señoras paquetas criticarán sin estribos, pero lo cierto es que, de un tiempo a esta parte, cuando leo a Shakespeare imagino mundos posibles donde podrían desarrollarse historias como estas, capaces de volar las pestañas de cualquiera. Y por más fuerza que haga es complicado salirme de la concepción clásica con vestuario de época. Sin embargo, Daulte logró crear algo distinto y jugado, que no será único ni perfecto pero sí original: un Macbeth industrial. Sentí que algunas cosas estaban llevadas a un plano más patotero, como para hacerlo más posible y cercano. Diría que este Macbeth es una cruza entre erudito y pibe del conurbano bonaerense en busca de su oportunidad. Esto torna la obra de una densidad distinta, tiñendo todo de una tónica…metalera. ¡Sí, metalera! ¿Por qué no? 

La enorme escenografía metálica montada sobre un escenario que gira sobre su eje (al mejor estilo alemán) emana una fuerza faraónica. Las situaciones se van sucediendo al compás de una musicalización acertada. Aunque el elenco está muy bien dotado, no todas las actuaciones están “a la altura”, como quien diría. Algunas joyitas están mal aprovechadas en pequeños personajes (Julieta Vallina es una). Asimismo, cada momento se ve sostenido por una conflictiva contundente.

Los textos se respetan tal cual y, según las viejas paquetas que –a la salida- se quejaban de las innovaciones del director, la traducción es excelente. Lo novedoso está en la escenografía, las armas de fuego (en lugar de espadas), el vestuario (tachas, cuero, trajes de saco y corbata, chalecos en lugar de armaduras y hasta tacones altos para Lady Macbeth), la atemporalidad de ciertos elementos y la ruptura de “la cuarta pared” gracias al impecable numerito cómico de Martín Pugliese parodiando a los personajes chicos (aunque con algunos excesos innecesarios que dejaré a criterio del espectador). La batida a duelo entre Macbeth y Macduff se lleva todas las cerezas.

“De la palabra a la acción, de la acción a la palabra”

Creo que lo más importante es recordar que el legado del viejo Shakespeare no muere en una bella, soberbia y altanera literatura, sino que debe mantenerse vivo gracias a las situaciones dramáticas que la sostienen. Porque además de ser un poeta, Willy fue un gran dramaturgo. Y por suerte el talentoso Daulte, algo canchero y modernoso, resolvió con astucia, entereza e inteligentes tijeretazos. 

Los aplausos invadieron la sala y –a pesar de mi extrema sensibilidad- no salí deslumbrada, sino excitada. No lloré, me emocioné. No sufrí, pero esquivé algunos nuditos garganteros. Comprendí, aprecié y me pude meter de lleno en la obra, así como también en la compleja y grandilocuente psiquis de esos turbios personajes tan humanos como yo.

El equipo salió a saludar. Entre abrazos y miradas cholulas, Viendo Teatro habló con algunos del elenco y allegados:

Alberto Ajaka dijo: “Siento una alegría enorme, estoy muy contento por el grupo porque nos llevamos muy bien y eso ha significado mucho para todos. Feliz también de poder devolverle a esta sala una teatralidad necesaria…nos toca generacionalmente. El proceso de creación fue muy feliz en lo humano, con mucho respeto y cariño. Eso sí, muy intenso. Y esto recién empieza.”

Nota también publicada en El Adán Buenos Aires.

Ficha Artística

Autoría: William Shakespeare

Versión: Javier Daulte

Traducción: Daniel Zamorano

Actúan: Alberto Ajaka, Valentino Alonso, Mónica Antonópulos, Fabio Aste, Federico Buso, Luciano Cáceres, Julián Calviño, Emiliano Dionisi, Leticia Mazur, Margarita Molfino, Francisco Pesqueira, Marcelo Pozzi, William Prociuk, Martín Pugliese, Agustín Rittano, Ezequiel Rodríguez, Leonardo Saggese, Alberto Suárez, Julieta Vallina, Debora Zanolli

Vestuario: Mariana Polski

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Música original: Diego Vainer

Asistencia artística: Andrea Garrote

Coreografía: Carlos Casella

Dirección: Javier Daulte

TEATRO SAN MARTIN

Av. Corrientes 1530

Teléfonos: 0800-333-5254 ó 4371-0111/18

Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar

Entradas desde: $ 60,00 - Domingo, Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 hs 

Entrada: $ 40,00 - Miércoles - 20:30 hs 

Copia Fiel

Apacheta Sala Estudio brinda su espacio cada domingo a diecisiete actrices que dan vida a “Copia Fiel”, dirigida por la actriz, directora y docente Analía Couceyro, quien dentro de una puesta en escena que sorprende en cuanto a la variedad de recursos artísticos que emplea, pone el foco sobre la visión de la mujer en la sociedad, el adoctrinamiento respecto a ciertas normas que en ella se manejan, las escollos de la adolescencia y la búsqueda de la individualidad propia de esta etapa e inherente al ser humano.

La entrenadora física del instituto cerrado Harvest nos pone al corriente: son los últimos días de este centro. Un instituto poco convencional que produce niñas donantes por medio de clonación con un único fin: desarrollarlas, convertir sus vientres en envases y hacerlas parir (aunque ellas ni siquiera saben qué). Más tarde serán donantes de órganos y, una vez “completado” el proceso, el fin de sus vidas habrá llegado. 

Se destaca la intención de enfatizar que este encierro que las acoge (enmarcado por “los de afuera”, quienes las hostigan y se oponen rotundamente a esta forma de creación de vientres y órganos, a pesar de entenderse que han sido ellos mismos los promotores de dicha situación), es el que provocará o potenciará un sinfín de situaciones. 

Niñas que adolecen, que se discriminan más de lo que son discriminadas, que se enamoran, que luchan por ser parte y diferenciarse a la vez; que aceptan, que no dudan ni cuestionan, ni tampoco se rebelan contra el sistema y toman como parte de su realidad y su naturaleza este ciclo que les toca transitar, al cual lo único que añadirían es un poco más de tiempo. Y es en medio de la búsqueda de ese tiempo añorado que necesitan para brindarse, conocer el mundo y descubrirse a sí mismas, en esa pugna entre las de adentro y los de afuera, en ese caos repleto de emblemas insólitos, es el escenario donde se extiende el mundo adolescente y femenino en su máxima expresión. 

Ficha Artística
Actúan: Virginia Azzaretti, Lola Banfi, Eugenia Blanc, Sabrina Dana, Dorina Di Modica, Maria Belen Fernandez Diaz, Carolina Fernández Kostoff, Julia Garriz, Lara Sol Gaudini, Viviana Ghizzoni, María Emilia Ladogana, Dominique Maucci, Magalí Mella, Maité Ovejero Quinteros, Cecilia Peredo, Gisela Scafati, Maiana Vega Garcia
Voz en Off: Nadynh Sandrone
Diseño de maquillaje: Daniela Godoy
Diseño de vestuario: Lara Sol Gaudini, Nadynh Sandrone
Diseño de escenografía: Félix Padrón
Diseño de luces: Cinthia Liberczuk
Diseño sonoro: Gustavo Semmartin
Operación de luces: Marco Medici
Fotografía: Marco Medici
Asistencia de escenografía: Gabriela Kohatsu, Nazareno Moyano
Asistencia de iluminación: Sonia García
Asistencia técnica: Nadynh Sandrone
Asistencia de dirección: Fabian Díaz, Francisco Sendra, Wenceslao Tejerina
Prensa: Mariano Casas Di Nardo
Coreografía: Vicky Carzoglio
Dirección: Analía Couceyro

APACHETA SALA ESTUDIO
Pasco 623 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4941-5669 / 1530142997
Web: http://apachetasalaestudio.blogspot.com
Entrada: $ 45,00 / $ 35,00 - Domingo - 17:30 hs