La patria fria

El desafío, grupal o individual, es resistir para seguir viviendo

La trastienda de una capa de circo será el escenario de esta historia, que obliga al público a una cercanía poco habitual al ubicarlo dentro de la carpa de lona a rayas rojas y blancas, rodeando a los actores. Estamos en los años 50. Los integrantes de un circo en decadencia llegan a alguna localidad en el medio de la provincia de Buenos Aires, con tanta mala suerte que coincide con la llegada del tren solidario de Eva Perón que todo el pueblo va a recibir en un clima de alegría y festejo, ignorando la carpa circense que se instaló en sus pagos. 

A pesar de lo dificultoso de competir con ese tren que trae regalos, y la presencia un tanto incómoda del crítico del pueblo los integrantes del circo comenzarán la función. El público comienza a ser testigo entonces del detrás de escena del espectáculo. Y también de las historias de los personajes y los conflictos que existen entre ellos. 

Como espectadora, gracias a la cuarta pared derribada, me vi totalmente involucrada en todo lo que iba sucediendo entre los personajes. Si inconscientemente mi cuerpo intentaba alejarse tan solo un poco, como negándose a ser testigo de lo que ocurría, la carpa que rozaba mi espalda me lo impedía, obligándome a regresar a ese remolino aparentemente alegre pero también cargado de penurias.

El desagradable maestro de ceremonias (y dueño del circo), el payaso cooperativista, el lanzador de cuchillos tuerto y nazi, el equilibrista borracho, el ex-enano y la contorsionista guaraní intentan sacar adelante la función con la energía y alegría que se espera de un espectáculo circense pero cuando vuelven al detrás de escena no pueden sostener la postura ante la miseria humana (propia y ajena) ni evitar el declive del circo del que forman parte. El desafío, grupal o individual, es resistir para seguir viviendo.  

Ficha Artística
Elenco: Marcelo Aruzzi, Natalia Bavestrello, Oscar Cayón, Ezequiel Lozano, Osvaldo Djeredjian, Juan Pascarelli, Héctor Segura, Mariano Saba
Autores: Andrés Binetti y Mariano Saba
Asistencia de dirección: Michelle Wejcman
Asistencia técnica en sonido: Bruno Dotti
Música: Guillermina Etkin / Letras: Andrés Binetti y Mariano Saba
Diseño de Iluminación: Andrés Binetti
Diseño de Sonido: Guillermina Etkin
Diseño Musical: Guillermina Etkin
Diseño de Escenografía: Magalí Acha
Diseño de Vestuario: Ana Algranati
Producción: Andrés Binetti, Malala González, Ezequiel Lozano, Mariano Saba
Dirección: Andrés Binetti
Web: http://lapatriafria.blogapot.com


TEATRO ANFITRION
Venezuela 3340 – Capital Federal
Teléfonos: 4931-2124 
Web: http://www.anfitrionteatro.com.ar
Entrada: $50 / $35 – Domingo – 20.30 

Amar

En el subsuelo del Camarín de las Musas nos encontramos con “Amar”, una obra que sin dudas atrapará a más de uno.  Seis actores; una sala oscura; olores, sonidos... ¡Preparados, listos, ya! 

Un grupo de amigos o tres parejas saldrán en una noche de copas: Música, alcohol, el marco de un espacio relajado, muy cerca del agua y con muy poca luz serán suficientes para entrever sus deseos y miedos más profundos que a cada instante se verán cara a cara con la realidad. Las ilusiones y apetitos de cada uno intentando asomarse; y sin embargo, se hunden, se ahogan ante lo que deberá ser de otra manera. 

Desencuentros y deseos invalidados por un razonamiento cruel o simplemente por los devenires de la vida. 

“Amar” nos conecta con lo más verdadero y a su vez ridículo de nosotros mismos. Resulta casi imposible no reírnos de estas situaciones que suceden frente a nosotros y de las que más de una vez hemos sido protagonistas. 

Aquí la luz es la encargada de enmarcar cada momento. De destacar cada rasgo, cada conversación; el silencio y el bullicio.  El amor y el desamor. 

Este espectáculo nos pone en un lugar especial como público. Nos evidencia que aquello que vemos no es, sin dejar de serlo. Invita a ser un espectador distinto del que comúnmente somos. “Amar es un malabarismo actoral y es una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada”, según su director, Alejandro Catalán. Y así tal cual es como lo he vivido. 

Ficha Artística

Actúan: Ximena Banús, Miguel Ángel Bosco, Edgardo Castro, Natalia Di Cienzo, Federico Liss, Paula Manzone

Vestuario: Ana Press

Iluminación: Alejandro Catalán, Matías Sendón

Diseño sonoro: Bruno Luciani

Realización escenográfica: Mariano Sivak

Musicalización: Bruno Luciani

Operación de sonido: Bruno Luciani

Fotografía: María Sábato

Diseño gráfico: Verónica Rositto Gritti

Asistencia artística: Felicitas Kamien

Asesoramiento musical: Sergio Catalán

Asistente de producción: Jorge Eiro

Asistencia de dirección: Rita Gonzalez

Prensa: Claudia Mac Auliffe

Dirección: Alejandro Catalán

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos:  4862-0655

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com

Entrada: $ 60,00 / $ 40,00 - Jueves - 22:00 hs 

Entrada: $ 60,00 / $ 40,00 - Viernes - 21:30 hs 

El niño con los pies pintados

"Vamos a proceder a marcar al pobre chico"

El frío de un congreso médico, que intenta camuflarse entre giros dramatúrgicos referentes a la comedia. Dejenme aclarar, El niño con los pies pintados no es una comedia. 

El paciente de esta conferencia mira directamente hacia mis ojos. Juega con mi incomodidad, ofreciéndome una plausible complicidad de la que no se si participar. Sin la protección del velo de oscuridad que suele cubrir al público, mi sensibilidad está mucho más en juego. 

Aquí tenemos artificios lejos de la verosimilitud, que logran el efecto de realidad al contar la historia de este pobre chico, cuya vida es objeto de estudio de un amplio equipo de profesionales. Notamos desde el principio que no es cosa menor lo que ocurrió en esta familia, y para mi grata sorpresa la perfecta utilización de la metáfora y la sutileza en la actuación, hicieron que el relato del acontecimiento sea, en sí, un hecho artístico. 

Con el desarrollo de una estética cuidada, esta dramatización de lo que sería un ateneo médico, presentó una ejecución es impecable, pero me fue inevitable sentir la falta del duelo, un momento en el que tanto el pobre chico, como yo, procesemos lo que le pasó. No me bastó con la presentación del caso.

Ficha Artística

Autoría: Diego Brienza, Laura Fernández

Actúan: Marcelino Bonilla, Mar Cabrera, Ddaniela Donschik, Lucrecia Gelardi, Melina Kuperman, Laura Lina, Horacio Marassi, Pamela Marmissolle, Maia Menajovsky, Gabriela Perisson, Vanina Salomon, Mauro Telletxea

Vestuario: Cecilia Zuvialde

Escenografía: Cecilia Zuvialde

Iluminación: Sandra Grossi

Diseño de objetos: Vìctor Salvatore

Realización de objetos: Vìctor Salvatore

Diseño gráfico: Bárbara Delfino

Asistencia de dirección: Yasmin Sapollñik

Coreografía: Federico Borensztejn, Maia Menajovsky

Dirección: Diego Brienza

ABASTO SOCIAL CLUB

Yatay 666 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Web: http://www.abastosocialclub.com.ar/

Entrada: $ 50,00 / $ 40,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 10/08/2012 

Chau Misterix

“¿A vos te salta ya?”

Kartun nos mete de un trompazo es ese maravilloso mundo que es la cabeza de un adolescente. Y para ser mas precisos, y hacer la cosa mas interesante, de un pre-adolescente.  Un ser que péndula entre la fantasía del héroe de historietas y la fantasía porno con sus compañeritas de escuela. En esa plataforma yace el genio de la obra. Los nenes-nonenes corretean por el escenario entre alaridos, gritos y risas. Pero de repente algo cambia, el patrón del juego no sigue. Se rompió el círculo. El nene reflexiona, se excita, se frustra y se deprime.

El sexo y el juego, dos conceptos en apariencia antagónicos, aparecen en escena como uno. La diferencia es que uno de ellos, el juego, es un terreno familiar, donde se ejerce total poderío y el otro es  terreno desconocido de misterio, fantasía y terror.

Si bien la obra tiene un registro cómico yo no me reí en ningún momento. Seguramente porque estaba  de vuelta en ese mundo que abandone hace algunos años (tengo 20, sí, no fue hace tanto) recordando las primeras pajas, la mística de este nuevo rito, la culpa, el placer y eso que se forma cuando se meten muchas cosas en un mismo lugar; un puchero de emociones, pensamientos y traumas. El adolescente, el héroe tragicómico por excelencia, sino, pregúntele a Sábato.

Si bien la obra plantea una estética adolescente que yo no viví (comics, figuritas, peinados con gomina y pantalones cortos) la nostalgia me llega por ese lado. Entonces, no, no me reí, me sonreí.

Hubo una cosa, sin embrago, que me hizo ruido. Los personajes en la obra, en el texto quiero decir, se mueven en 2 registros. El registro de la situación real, donde ellos nos son más que nenes de 11 años, y un registro imaginario donde los personajes son lo que ellos quieren ser. O sea, son niños, o son héroes de historieta. Ahora, el problema yace en que los actores se mueven en 3 registros (completamente legal, el texto no es lo que prima, la dirección da su interpretación, es una propuesta, bla bla bla, sí ya sé).  El “tercer registro”, a diferencia de los demás, que son marcaciones claras, es casi imperceptible. Se trata de un guiño al público. Los actores manejan el cuerpo de manera impúdica, lasciva, suelta, (cosa que haría muy feliz al profe de expresión corporal) tanto en el plano imaginario como en el real. Entonces uno ve a los niños, a los súper héroes y a los actores, como asomando el cogote por el telón., siendo un poquito chanchos. Un recurso cómico fácil que termina restando. Ojo, igual aprobada eh.

Ficha Artística

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actúan: Esteban Coletti, Tamara Garzón, Inés Palombo, Estanislao Silveyra

Vestuario: Lucio Tirao, Mery Vidal

Iluminación: Jorge Merzari

Música: Mariano Cossa

Fotografía: Mauro Franceschetti

Diseño gráfico: Martin Guerrero

Asistencia de dirección: Vicky Lagos

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Producción: Pablo Silva

Diseño de movimientos: Federico Howard

Dirección: Virginia Lombardo

Web: http://www.silva.com.ar/chau-misterix/

EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4863-1188 / 3750-2240

Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar

Entrada: $ 60,00 / $ 45,00 - Viernes - 23:30 hs 

Apátrida, doscientos años y unos meses

La situación comienza y no entiendo bien qué pasa, ni quién es quién. “Un tipo” con traje va y viene, prueba su micrófono, mira al público. El “tipo Nº 2” concentradísimo, con auriculares y un armamento musical indescriptible que causará estragos en mi cuerpo en menos de media hora. Los minutos pasan y sigo desconcertada. Pero me voy sumergiendo y ya no habrá retorno.

A Spregelburd se lo ve como pez en el agua. Preciso, intenso y convencido de cada paso, de cada latido. Porque si de algo se trata esta puesta es de latidos, de una comunión de patriotas y apátridas unidos por sensaciones franeleadas de música. ¡Y qué música! Zypce usa cuerdas, arcos, baquetas, resortes, motores, tanques de nafta, radiorreceptores, metales y hasta canicas…Un increíble soundtrack en vivo, con loops y sampleos para volar cabezas. ¡Ay, deliciosa y conmovedora música! Y no escatimo en adjetivos: insólita, atípica, sabrosa, melancólica…

El tema que atraviesa la obra es la compleja relación entre el arte y la crítica. Para ello se sitúa en la polémica sobre el arte nacional que se dio a fines del siglo XIX, cuando el pintor argentino Eduardo Schiaffino y el crítico español Eugenio Auzón (ambos interpretados por Spregelburd) se enfrentan hasta batirse a duelo. Uno quiere fundar un arte nacional y el otro dice: “Habrá arte argentino dentro de doscientos años y algunos meses”. A pesar de la seriedad del tema hay lugar para la sorpresa, el humor inteligente y la picardía de una dramaturgia postmoderna que da que hablar. Los cien minutos pasan volando.

Crítico y pintor se desploman por defender sus ideales con una dialéctica irreverente. Actor, personajes y músico se funden, arrojando una lluvia de meteoritos: la cabeza no me paró de laburar y mi ritmo cardíaco se fue acelerando de a poco hasta estallar. Fue como presenciar una ópera en una lengua desconocida (no entendés todo, pero se te pone la piel de gallina). Es eso que todos los actores buscan generar (y no saben cómo), eso que el espectador recibe y no puede describir (porque lo sobrepasa). No encuentro metáfora más precisa: fue como hacer el amor. Me vibraron partes del cuerpo que no sabía que tenía. Tuve que aplaudir de pie y secar algunas lágrimas.

Spregelburd encontró la piedra filosofal, ojalá siga usándola con tanta maestría.

Ficha Artística

Dramaturgia: Rafael Spregelburd

Actúan: Rafael Spregelburd, Federico Zypce

Músicos: Federico Zypce

Voz en Off: Erik Altorfer, Félix Estaire de la Rosa, Pablo Osuna García, Ruth Palleja, Monica Raiola, Zaida Rico

Escenografía: Santiago Badillo

Iluminación: Santiago Badillo

Fotografía: Gabriel Guz, Ale Star

Asesoramiento histórico: Viviana Usubiaga

Asistente de producción: Magdalena Martinez

Asistencia de dirección: Gabriel Guz

Dirección: Rafael Spregelburd

EL EXTRANJERO

Valentín Gómez 3378 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 011 4862-7400

Web: http://www.elextranjeroteatro.com

Entrada: $ 70,00 / $ 50,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 18/08/2012 

Hacia el fin

Llegué al Konex sin saber muy bien qué esperar del espectáculo que iba a ver. Y me fui muy contenta, con esa linda sensación que dejan las obras cuando una las disfruta, aunque preocupada por lo que iba a escribir para este blog. ¿Cómo describir Hacia el fin, la historia que la compañía Pura Cepa, bajo la dirección de Ana Frenkel, lleva al escenario cada viernes y cada sábado? 

El escenario es la cubierta de un barco, en donde tiene lugar un casamiento. La fiesta inicia y el barco zarpa. De pronto el cielo se oscurece, se escuchan relámpagos, el mar comienza a agitarse y las 13 personas en el escenario son llevadas de una punta a la otra de la cubierta de acuerdo a cómo se agita el barco. De pronto, todo se detiene. Y la única que logra ponerse de pie es la novia, aún con su velo puesto.  

Comienza entonces un viaje que no es el planificado en el que la novia ve a los otros personajes porque éstos se encuentran en su mente. A través de la música y la danza, los 13 intérpretes viajarán por diferentes emociones a medida que la novia se interna en planteos que por momentos caen en el existencialismo. El público también es arrastrado en este viaje lleno de energía y humor.

Hay teatro, hay danza, hay música y hay fotografía. Pura Cepa se planta en el escenario para contar una historia recurriendo a todas estas disciplinas, que se entremezclan para lograr eso que es Hacia el fin.

Acompañé el viaje desde mi butaca, sumergiéndome junto con los personajes en cada coreografía y situación planteada. Salí de la sala todavía en plena tempestad de emociones y pensamientos. 

Ficha Artística
Intérpretes: Carolina Borca, Daniela Bragone, Valeria Cavassa, Matías De Padova, Aline Dibarboure, Julia Frenkel, Verónica Hassan, Facundo Nuñez, Hernán Paulos, Diego Rosental, Joel Spiro, Marisa Taboadela, Debora Zanolli.
Vestuario: Dino Balanzino
Escenografía: Mariana Tirantte
Peinados: Dino Balanzino
Maquillaje: Dino Balanzino
Diseño de luces: Ricardo Sica
Música original: Jaky De Coghlan
Fotografía: Bauty Torres
Diseño gráfico: Carolina Crawley
Asistencia de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Asistencia de dirección: Mariana Plenazio
Producción ejecutiva: Elisabetta Riva
Colaboración artística: Daniel Cúparo, Diego Frenkel, Leonardo Kreimer
Colaboración coreográfica: Carolina Borca
Colaboración en dirección: Marina Vernik
Dirección: Ana Frenkel 
Web: www.haciaelfinshow.blogspot.com


CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131 – Capital Federal
Teléfono: 4864-3200
Entrada: $60 – Viernes y Sábado – 21 hs.

Elevé

Por definición, las obras de danza-teatro “no nos cuentan una historia, sino que proponen situaciones escénicas en torno a los conflictos humanos y las reflexiones sobre la existencia, en las que el espectador puede identificarse y donde el dolor es transformado en una forma estética.”

Con Elevé degusté este tipo de espectáculos y confieso que algunos de mis prejuicios al respecto se han evaporado. Al entrar, siete azafatas me llevaron por Elevé (líneas aéreas), “un vuelo hacia el universo de la mujer perfecta”. Atrevidas y despampanantes, cuentan casi sin palabras las torturas socialmente impuestas a las que la mujer se ve sometida. Desde el minuto cero la propuesta se me presentó innovadora y fresca, por su minimalismo y dinámica. Por momentos me atormentó el voluptuoso griterío de féminas… ¡Imagínense siete mujeres con distintos tonos (algunos agudísimos) gritando al unísono! Luego reflexioné que esa misma energía es la que a veces coloca en las mujeres la etiqueta de la histeria. Y ahí le hallé sentido a la cuestión.

Pero no todo lo que brilla es oro. Si bien me pareció un viaje en el que cada espectador se llevará algo distinto y donde no hay mucho lugar a las pretensiones de linealidad, observé ciertos cortes en la narrativa reemplazados por un estilo más cercano a la performance. Por otro lado, entiendo que hablan del lugar de la mujer como “fabricante de sonrisas” (por eso la metáfora de la azafata, obligada a sonreír pase lo que pase) y objeto de legados impuestos por la tradición social. Pero me dio la sensación de que esto se veía limitado a conflictos en torno a la belleza y el mandato familiar, cuando en realidad el lugar de la mujer en la sociedad actual excede ampliamente esos campos. Quizás se me haya escapado alguna tortuga o pretenda demasiada profundidad, pero esa es mi percepción. Los vínculos me resultaron imprecisos (no sé si eso es bueno o malo), aunque es probable que en el código de la danza-teatro estos se vean constantemente interrumpidos por una lluvia de sorpresas, mutaciones, novedades. 

La puesta es acertada y la musicalización impecable. El espacio se transforma -una y otra vez- con los mismos objetos, creando situaciones por doquier. Las actrices (todo el tiempo en escena) recorren el espacio sin dejar hueco alguno (¡una cereza para la directora!). Me gustó el ritmo, las luces, los vestidos y los objetos pomponosos. ¿Lo más divertido? Cuando el aire se pone denso, Natalia Pena (una joyita de intérprete) saca su maraca y ¡fiesta! 

Lo que resulta indiscutible la maestría con la que todas las intérpretes pelan cuerpos, voces y toda su impronta en cada movimiento, creando imágenes estéticamente formidables. No me emocioné ni salí con ganas de cambiar el mundo, pero me entretuve, me reí y me fui con algo resonando en la cabeza. ¡Geraldiiiinnnneeeee! (solo para entendidos). 

Ficha Artística
Autoría: Paula Etchebehere
Intérpretes: Belen Bottaro, Paula Caldirola, Natalia Pena, Lucía Rivera Bonet, Micaela Sananes, Eugenia Saulquin, Daiana Villar
Diseño de maquillaje: Sol Dell Acqua, Agustina Zirulnik
Diseño de escenografía: Celeste Botet
Diseño de luces: Soledad Rivera
Diseño sonoro: Javier Rodríguez
Fotografía: Daniel Caldirola
Diseño gráfico: Tamara Beltram
Asistencia coreográfica: Carolina Gallo
Asesoramiento de vestuario: Maria Fernanda Brinatti
Asistente de producción: Maura Heredia Spivac
Prensa: Luciana Zylberberg
Producción: Daiana Villar
Dirección de actores: Javier Rodríguez
Dirección general: Paula Etchebehere
Este espectáculo formó parte del evento: NoAvestruz en movimiento: 10 años de vida


NOAVESTRUZ
Humboldt 1857 C.A.B.A.
Teléfonos: 4777-6956
Web: http://www.noavestruz.com.ar
Entrada: $ 50,00 / $ 40,00 - Viernes - 00:00 hs 

V.O.T.S.A.

Los domingos en Buenos Aires suceden cosas especiales. Los domingos cuando cae la nochecita a algunos nos da angustia por lo que vendrá el lunes y a otros simplemente les da... Y cada domingo sucede algo diferente. 

En un lugar emblemático de la ciudad como es el Centro Cultural San Martín, la Sala Alberdi presenta  domingo a domingo el "V.O.T.S.A." (Varieté Oficial de la Toma de la Sala Alberdi) y te la deja picando.

A casi dos años de la toma, la Sala Alberdi, alberga en este espectáculo a muchos artistas talentosos. Si uno se acerca puede disfrutar de Clowns, Malabaristas, Magos, Actores, Improvisadores, Músicos, que desplegan una enorme energía y talento para el disfrute del público. Y lo mejor de todo es que es a la gorra. Una gorra que hace que la sala funcione activamente día a día, dando espacio a artistas que no son una promesa para el futuro. Ya están en un lugar importante, y brindan su espectáculo para la gente, para que toda la gente pueda verlos.

Creo que si te gusta el teatro, y queres ser participe de un movimiento nuevo, autogestivo y de mucha calidad, no debes perder la oportunidad para pasar por la sala a disfrutar de un gran espectáculo, con ese formato Varieté que hoy es un clásico.

VER TEATRO ES HACER TEATRO.


Ficha Artística
Artistas: Varios.
Autores: Todos.


SALA ALBERDI
Sarmiento 1551 6° Piso CABA
20hs. A la gorra.

De cómo duermen los hermanos Moretti.

“Esa cama y esa silla son mías. Del resto, lo que quieran”.

No suelo ir al teatro en días de semana. Quizás porque después de un día largo de clases y “demases”, lo último que quiero es estar lejos de casa. Sin embargo, esta vez decidí ir contra mis propias reglas de supervivencia. Quise ir a ver “De cómo duermen los hermanos Moretti”, que va los jueves a las 22:30 horas en Teatro Anfitrión.

Los hermanos Moretti son un reconocido sexteto musical, que ha tenido su tiempo de gloria, de giras y fama alrededor del mundo. Pero esto se ha acabado. Han quedado sin nada, incluso sin talento, si es que alguna vez lo tuvieron. 

Al fondo de un pasillo largo se esconde una casa antigua en donde vive Martita, fan del fenómeno musical, quien tras un accidente bastante confuso en casa de los Moretti, les cederá un espacio en su hogar por algunos días, bajo unas cuantas condiciones. 

Con un humor absurdo y ágil, excelentísimas caracterizaciones y un entretejido de situaciones muy bien resueltas, el público es testigo de la decadencia de esta familia, de sus bajezas y sus siniestras intenciones. Aquí cada uno de nosotros puede armar su propia interpretación y encontrar el por qué de esta obra. Lo que sí sabemos es que la atmósfera va en in crescendo hacia un lugar oscuro y amenazante que nos mantiene atrapados en esta historia hasta el final. 

Lo sabía: Esta obra me iba a gustar. Llámese perspicacia, intuición, la intimidad del lugar, la cercanía con los actores; algo. ¡Cuántas cosas me habré perdido por seguir esas estúpidas reglas! 

Ficha Artística

Autoría: Francisco Lumerman

Dramaturgia: Francisco Lumerman

Intérpretes: Johanna Braña, Diego Faturos, Johanna González Novarin, Rodrigo Gosende, Florencia Mazzone, Lisandro Rodriguez, Rosario Varela, Maite Velo

Vestuario: Ana Carucci

Iluminación: Soledad Ianni

Fotografía: Nicolás Ortiz De Elguea

Asesoramiento escenográfico: Ana Carucci

Asistencia de dirección: Ignacio Torres

Prensa: Debora Lachter

Dirección: Francisco Lumerman

Web: http://www.decomoduermenloshermanosmoretti.blogspot.com

TEATRO ANFITRION

Venezuela 3340 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos:  4931-2124 // 1530046545

Web: http://www.anfitrionteatro.com.ar

Entrada: $ 50,00 - Jueves - 22:30 hs - Hasta el 02/08/2012 

El Cisne

Siento que hoy en día se cuentan pocas historias y no termino de entender por qué. ¿Es una necesidad de despegarse de lo “clásico”? ¿Falta de ideas? ¿Voluntad de “minimalismo”? En esta línea un tanto desconcertante, “El cisne” es una propuesta que está más centrada en mostrar las reacciones de los personajes ante lo inesperado (y en construir una experiencia con el público alrededor de esta sorpresa) que en contar algo. Claro que estas reacciones son dispersas y a veces se pierden en comentarios sueltos más que generar verdaderas reacciones en los cuerpos de las actrices. La sorpresa pareció dominar en todo momento una situación que quizás hubiera permitido explorar otros sentimientos (y luego de la sorpresa, ¿qué?). No hubo tampoco, quizás por una cuestión de tiempo, una real intención de desarrollar los personajes, que en algunos casos parecían dar para más.

Ojo: estuve entretenido durante toda la obra, la pasé bien y no fue sino un rato después de salir que empecé a sentir gusto a poco. 

Las actuaciones están bien (aunque con algunas intermitencias) y la escenografía me pareció un acierto. La sala, en cambio, no ayudó demasiado (se escuchó un goteo muy molesto durante los primeros cinco minutos de la obra).

Un detalle interesante es que las escenas están divididas por mensajes grabados en un contestador automático, de personajes que quizás nunca aparezcan, pero que tienen cosas para decir acerca de la situación, como tanta gente experta en solucionar problemas ajenos. Este es el único contacto con el afuera de una familia replegada sobre sí misma, casi al margen del mundo.

Advertencia final: la sinopsis es un tanto engañosa. Es mejor no leerla antes de ver la obra.

Ficha Artística

Dirección, Autor y Dramaturgia: Felicitas Kamien. 

Producción: Carolina Milli, Felicitas Kamien .

Escenografía: Florencia Polimeni, Esteban Brenman. 

Vestuario: Julieta Harca, Eliana Kuriss Dick. 

Iluminación: Eduardo Pérez Winter, Adrián Grimozzi. 

Diseño de sonido: Javier Bustos.  

Elenco: Alexis Cesan, Carolina Milli, Mariana Cavilli, Marta Haller, Victoria Cipriota. 

Voces en off: Abuela Eva, Anita, Andrés Schaffer, Federico Lorosso, Anita Grinberg. Prensa: Carolina Alfonso.

CAMARIN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 – C.A.B.A.

Sábados 23.15 hs

$ 45 y $ 30 (descuentos a estudiantes y jubilados)

Bodas de Sangre

“Porque yo quise olvidar y puse un muro de piedra entre tu casa y la mía… Pero montaba a caballo y el caballo iba a tu puerta…Vamos al rincón oscuro, donde yo siempre te quiera, que no me importa la gente, ni el veneno que nos echa”

Me había hecho muchas expectativas sobre Bodas de Sangre en el teatro La Tertulia. Me pidieron que me anticipara más de lo usual, ya que le sala se llenaba siempre. Lamentablemente, desde el inicio, me costó mantenerme interesada. Hubo un problema de verosimilitud desde la primera escena: madre e hijo charlando, en un intercambio en el que se sentía una desconexión casi total entre ellos. A esta escena tibia y poco estimulante, le siguieron otras, igualmente insípidas. Talvez el problema principal era lo heterogéneo del grupo: actores que estaban presentes, comprometidos con el momento, interactuaban con otros que se sentían apagados, casi indiferentes emocionalmente. 

Hubo, sin duda, aportes que levantaron la obra por espacios breves de tiempo, como el de la vecina, la criada, Leonardo, entre otros… Pero, en general, la puesta en escena careció de solidez. Algo que resultó bastante molesto fue la música anacrónica, así como la caracterización de los personajes del bosque, la luna y la muerte por una misma actriz, cuya voz no variaba demasiado entre un personaje y otro. El bosque fue representado por un traje de camuflaje militar. Eso me desagradó, me pareció fuera de lugar y terminó de sacarme de la obra. Incluso casi hizo que pasara por alto la falta de pasión y entrega de una novia que hablaba de fuego y lo sofocaba con el cuerpo. 

Apostar por una historia contada infinidad de veces es siempre un riesgo. Pero al menos estaban ahí las líneas de García Lorca que, aun a pesar de la inconsistencia del montaje, relucían por su inalterable poder: “Porque yo quise olvidar y puse un muro de piedra entre tu casa y la mía… Pero montaba a caballo y el caballo iba a tu puerta…Vamos al rincón oscuro, donde yo siempre te quiera, que no me importa la gente, ni el veneno que nos echa”. Eso sí, en honor a la verdad, hubiera preferido agarrar el libro, ahorrarme el frío y leer la obra en casa.

Ficha Artística
Dirección: Darío Portugal Passache. 
Texto original: Federico García Lorca. 
Vestuario, escenografía e iluminación: Grupo Imagen Teatro Experimental. 
Elenco: Federicho Asenzo, Fátima Hammoud, Enrique Mónaco, Nadia Brom, Graciela González, Saavedra, Carolina Fonseza, Jackeline Molineros Rodríguez, Natalia Bagnerelli y Sebastián Naón.
Teatro: La Tertulia- Gallo 826
Funciones: Sábados 21 hs
Entradas: $60, $45 estudiantes y jubilados


LA TERTULIA
Gallo 826 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos:  4865-0303
Web: http://www.latertulia.on.to
Entrada: $ 60,00 / $ 45,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 25/08/2012 

Te quiero hasta la luna, ¿ida y vuelta?

¡Esta semana no pudo haber empezado mejor! Todos los lunes en Corrientes 1743, Sofía González Gil y Francisco Ruiz Barlett nos brindan una hora y pico de sueños, alegría y ternura.

Parece que entre Pablo y Julia, todo se ha terminado. Sin embargo, su sueño de viajar juntos a la Luna, ya estaba planificado. Así es que luego de unos meses de su separación, ambos se reencontrarán a bordo de una – muy creativa – nave espacial, que los llevará a vivir un gran acontecimiento. 

Con unas excelentes caracterizaciones, estos dos actores nos traen a la escena a dos adultos; que por momentos serán dos adolescentes y dos niños. Conociéndose a sus 7 años, enamorándose a sus 12 y a sus 30, quizás, concediéndose otra oportunidad.  

Grandes y chicos nos reímos al son de estos personajes que se enamoran y desenamoran a cada instante, que nos conmueven y nos hacen disfrutar con sus ires y venires, en medio de un sinfín de situaciones que los irán atravesando y que habrán de revelar sus verdaderos sentimientos.

Humor, música, amor, ¡todo junto! Y mi sueño cumplido de viajar a la Luna. ¡Imposible no salir de la sala tarareando “las” canciones! ¡Y quizás también un poco durante el resto la semana…!

Ficha Artística
Libro: Matías Puricelli
Actúan: Sofía González Gil, Francisco Ruiz Barlett
Voz en Off: Carlos Belloso
Diseño de vestuario: Sofía González Gil
Diseño de escenografía: Martin De Amézola
Diseño de luces: Martin De Amézola
Música original: Francisco Ruiz Barlett
Letras de canciones: Francisco Ruiz Barlett
Fotografía: Victoria Medici
Diseño gráfico: Martín Bayne
Asistencia de escenario: Ana Wright
Asistencia de dirección: Carolina Beron
Prensa: Mercedes Otero
Producción ejecutiva: Antonella Bisogno
Puesta en escena: Matías Puricelli
Dirección musical: Francisco Ruiz Barlett
Dirección: Matías Puricelli
Dirección general: Matías Puricelli, Francisco Ruiz Barlett


N/ARTAZA TEATRO
Av.Corrientes 1743 (1º piso) (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 5431-2985
Web: http://www.teatroartaza.com
Lunes - 21:00 hs 

No duerme

“Soy un peligro: si reflexiono demasiado, no actúo. […] A veces mis impulsos no son puros”

Desde chica fui una de esas personas que viven fascinadas por el comportamiento ajeno. Quizá no de la manera en que le ocurre a un psicólogo o a un antropólogo. No me motivan las respuestas o clasificaciones. Es más bien el vacío, la imposibilidad de saber lo que realmente sucede en la vida del otro, lo que detona preguntas interminables; un conjeturar eterno y placentero sobre esencias que no son la mía. Este pasatiempo gratuito se ha llevado siempre bien, por supuesto, con mi insomnio, el que padezco (y también disfruto), de manera intermitente, desde los seis años de edad. 

Dicho esto, es fácil adivinar por qué la obra No duerme fue para mí un deleite, de principio a fin. Básicamente, es como si hubiera estado sentada, invisible, observando, desde la primera fila, la intimidad de otra insomne: lo que hace; las emociones que la atraviesan; lo que se dice; lo que padece; lo que decide y lo que evade… “Soy un peligro: si reflexiono demasiado, no actúo. […] A veces mis impulsos no son puros” dice la mujer en escena. Y me conmueve. 

No obstante, sería un error atribuirle la eficacia de la obra a una mera conexión con mis códigos personales. La atmósfera intimista en No duerme ha sido perfectamente bien lograda; la actriz (Juliana Muras) se zambulle en la oscuridad de la vigilia para mostrárnosla con desparpajo, incluso con orgullo y arrogancia… La construcción dramatúrgica como tal es muy rica; los diálogos (del personaje con ella misma) son bellísimos y fluyen con gran naturalidad de la boca de la actriz. Inspirada en el universo narrativo de Clarice Lispector, No duerme es una obra altamente recomendable, de esas que vería una y otra una vez.

Ficha Artística

Autoría: Verónica Mc Loughlin, Juliana Muras

Actúan: Juliana Muras

Vestuario: Emiliano Pandelo

Escenografía: Emiliano Pandelo

Iluminación: Carolina Rolandi

Fotografía: Lina M. Etchesuri

Diseño gráfico: Lina M. Etchesuri

Asistencia de escenario: Isabel Fagalde

Asistencia de dirección: Lizzania Sánchez

Prensa: Renata Prensa

Dirección: Verónica Mc Loughlin

SALA ESCALADA

Remedios Escalada de San Martin 332

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 154434-5002

Web: http://www.salaescalada.blogspot.com

Entrada: $ 40,00 / $ 30,00 - Domingo - 20:30 hs 

Algunas mariposas nocturnas beben las lágrimas de los elefantes

Todos los sábados a las 21 Algunas mariposas nocturnas beben las lágrimas de los elefantes. Y si el titulo nos pone rápidamente a la expectativa de una puesta ligada a la metáfora, lo poético, basta con bajar la escalerita, darle la entrada al chico y sentarse en un apártate cuarto de espera para plantearse si uno no se ha equivocado de obra. 

Entonces aparece el desconcierto y he ahí la relación. El público desconcertado espera, los personajes entran y desconcertados hacen lo mismo. Y a partir de ese punto de sincronía comienza la acción.

Luz violeta, cuatro que esperan y uno que lleva chicles.

¿Quienes son? ¿Que esperan? Nadie lo sabe y pareciera que ni ellos mismos. Entonces aparece Kafka que los mantiene a todos unidos. Los juzga, los mide y no los ve.

A ritmo de comedia se enojan, se gritan o  enternecen. Se fastidian de chicle y de la espera. Rompen lo que esta roto y se revuelcan en la mugre. En sus pequeñas miserias de la no anécdota, de lo que nunca fue y no tiene porque haber sido. Pero existen y si el reflector  los toca pueden brillar, o no, quizás esa luz nunca los toque, quizás lo que realmente no existe es esa luz.

Por el momento luz violeta y música de ascensor estático. Ni brillo, ni Godot, ni estrellato. Solo una larga fila de espera a lo que nunca vendrá y chicle, un montón de chicle para todos.

Con una buena administración de sus pocos recursos, con actores dispuestos a cargar con sus personajes como a reírse de ellos, la obra traspasa su aparente sencillez y con sutil y amanerado golpe, toca algunos nervios vivos en el fondo de nuestra conciencia existencial, y todo como sin querer, como una casualidad al paso del chiste.

Ficha Artística
Autoría: Tomas Grounauer
Actúan: Inés Urdinez, Fernando Carón, Matías Vitali, Lucas Pujol y Cecilia Vago.
Dirección: Tomas Grounauer y Matías Vitali.
Asistencia general: Natalia Vitali.
Vestuario: Sol Ruiz Luparia
Iluminación: Nadir Ayrad
Fotografía: Apéndice Visual.
Realización audiovisual: Juan Urdinez.
Diseño grafico: Maximilliano Galin



TEATRO EL ESPEJO
Av. Pueyrredón 2476 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas:  4803-1115
Web: http://www.teatroelespejo.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el 19/07/2012 

El Petiso Orejudo

Un ser cuya capacidad de amar ha sido destruida, se sumerge en una oscuridad aberrante y es noqueado por las sombras de un pasado que lo atormenta. Para defenderse algunos se encierran, otros hacen un tratamiento y otros, así sin más, matan. En un teatro alejado de las luces de la calle Corrientes, El Petiso encontró su lugar en una acogedora sala de La Tertulia. La angustia se hace carne y los personajes, que ya están en escena, dejan entrever sus vicisitudes. Algo en el aire indica que lo que está por verse no será poca cosa…

Si vas a verla y te quedás mudo, con un nudo en la garganta y un sutil dolor de panza, es por culpa del Petiso... ¡ejem! digo, de Pablo Juan. Por su parte, Blanc y Chiesa con sus múltiples y versátiles personajes, aportan a la obra el ritmo necesario. La puesta es minimalista y sutil, con juegos constantes de luces sectorizadas y un inmejorable uso de los recursos sonoros que nos sumergen como por un tubo en este policial tétrico y escalofriante. 

Pero este Petiso (con su psiquis atrofiada, producto de una vida dolorosa y marginal) genera más pena que odio. El grado de humanidad sacude e incomoda. El desamparo, la exclusión social, el zambullido en morbosas fantasías, los deseos de carácter abyecto, madres que reclaman a sus  hijos muertos, las secuelas de una vida sin amor y el recuerdo recurrente de un hermano muerto en Italia, nos van adentrando en el siniestro mundo de este niño asesino de niños. Una obra que desconcierta, incomoda y dispara reflexiones sobre la cárcel como dispositivo de castigo y control (y no de regeneración social) nos sitúa, como diría el amigo Nietzsche, más allá del bien y del mal. . ¿Si vale la pena ir? Eso ni se pregunta. 

Ficha Artística

Autoría: Julio Ordano

Actúan: Facundo Blanc, Marcelita Chiesa, Pablo Juan

Vestuario: Pablo Juan

Escenografía: Magdalena de la Torre, Virginia Taboada

Maquillaje: Magdalena de la Torre, Virginia Taboada

Asistencia general: Lorena Basar

Asistencia de dirección: Basia Fiedorowicz

Prensa: Silvina Pizarro

Dirección: Adrian Cardoso

LA TERTULIA

Gallo 826 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 4865-0303

Entrada: $ 50,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 13/07/2012 

Uruguayos

Dos hermanos y una viuda terminan haciendo de la despedida un encuentro. Un encuentro donde predomina el desencuentro debido a la polaridad de sus personalidades.

Una muy acertada tríada, con impecables construcciones actorales, que se encuentran acorralados por el agua, por la noche, por las nubes que impiden que la luna salga, para dar por fin su despedida, para tirar sus cenizas cumpliendo la última voluntad del difunto.

Esa espera obliga a soportar lo insoportable del encuentro. Una viuda desconocida, la culpa de las historia ausente que se les viene encima, un no reconocimiento familiar ni personal, la intensidad de haber llegado a ese momento de sus vidas, esperando que la luna salga para decir adiós.

De alguna manera el encuentro en ese muelle los obliga a enfrentarse con sus propias miserias, con lo que son y no pudieron ser, con la soledad absoluta.

La obra es atrapante, sostiene un clima constante que no cae nunca, resulta muy verosímil y posible de ser y jamás suelta la atención del espectador;  incluso genera comicidad en algunos momentos y ternura en otros. 

Ficha Artística

Actúan: Pablo Navarro, Noelia Prieto, Ariel Saenz Tejeira

Vestuario: Cecilia Zuvialde

Escenografía: Pablo Navarro, Noelia Prieto, Ariel Saenz Tejeira, Martín Urruty

Iluminación: Ricardo Sica

Fotografía: Brenda Bianco

Diseño gráfico: Brenda Bianco

Asistencia de dirección: Rosario Alfaro

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Producción: Rosario Alfaro

Dirección: Martín Urruty

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 

C.A.B.A.

Teléfonos:  4862-0655

Entrada: $ 50,00 / $ 35,00 - Sábado - 23:15 hs 

Puro papel pintado, una fantochada nacional

Al ingresar a la sala, actores y actrices ya están en escena. Mientras el público se acomoda en las butacas, en el escenario también se preparan para lo que vendrá. Lo que queda claro, cuando la obra lleva unos minutos de vida, es que en Puro papel pintado, nada es lo que parece.

El año 1952 y el 2002 se verán unidos por ese invento argentino tan difícil de definir: el peronismo. La obra comienza en 1952, en la redacción de un diario fundado por Eva Perón. Entre las personas que trabajan en la redacción se irán revelando los fundadores de un partido peronista, las integrantes de una liga antiperonista y una espía soviética.

Se suman a los personajes una hija no reconocida de Perón y una devota de Eva, quienes serán las protagonistas de un extraño experimento que buscará transportarlas en el tiempo, después del año 2000. Pero algo sale mal y arriban a un set de filmación de una película de época en Buenos Aires en febrero de 2002, en medio de la crisis financiera.

La obra nos permite revivir dos momentos trágicos de nuestro país en tono de comedia y repensar nuestra historia desde el humor. Diez excelentes actores dan vida a los 18 personajes que protagonizan esta fantochada en la que resulta imposible no reírse y pasarla bien durante los 75 minutos que dura la obra. Un excelente plan para un domingo a la tarde.  

Ficha Artística

Autoría, dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman

Actúan: Mellanie Dell Elce, Mariana Eramo, Laura Fischer, Agustina Gutierrez, Juan Manuel Ortíz, Pablo Rodríguez Pandolfi, Lucía Romano, Susana Sánchez, Ivana Antonella Schiaffino, Angie Vons

Escenografía y vestuario: Roxana Ameduri, Vanesa Verati

Iluminación: Soledad Ianni 

Diseño de maquillaje: Florencia Orlando 

Fotografía: Florencia Pane 

Diseño gráfico: Sergio Calvo 

Asistencia de dirección: Ignacio Gracia 

Prensa: Luciana Zylberberg 

Producción: Mariana Eramo, Laura Fischer 

Colaboración artística: Lisandro Penelas 

TEATRO ANFITRION
Venezuela 3340 – CABA
Reservas: 4931-2124
Entradas: $50 / $30 – Domingo 18 hs – Hasta el 29/07/2012